강승희 "'새벽', 유화와 씨름..눈물겹게 얻어낸 서정성" 사람은 매일 깨어나고 죽는다. '새벽'은 그렇게 온다. 청회색빛을 머금고… "김포 작업실에 앉아 있으면 여백을 생각하게 된다. 평야가 펼쳐지고, 한강 하류의 넉넉함이 있다. 비어있음이 좋고, 한적한 공간이 좋다…정적이고 고독을 느낄 수 있는, 여기에 커다란 여백을 주어 더 허전하고 비어있는 공간을 표현한다. 그 공간과 더불어 어쩌면 고독함을 넘어 자유로운 사유를 표현하고 싶다." '새벽 작가' 강승희 유화전이 10일부터 서울 인사동 노화랑에서 열린다. 서정적인 동판화 작가로 알려진 작가는 2019년 노화랑에서 첫 번째 유화전을 선보인 이후 '판화 작가'에서 '유화 작가'로 완전 변신했다. 2년만에 신작을 전시하는 이번 작품은 유화물감으로 수없이 지우고 그리기를 반복해서 나왔다. 김포 작업실에서 밤에서 새벽까지 캔버스와 유화로 씨름했다. 젊어서부터 ‘새벽’이라는 시간에 매달렸다. "적막하고 심심하면서 어둡지도 밝지도 않는 새벽이 감성 시간으로 이끌었다. 교수라는 직업이 작업 시간을 축내고 있었지만, 나머지 모든 시간을 캔버스에 쏟았다." 그렇게 밤과 낮이 교차하는 새벽을 절묘하게 캔버스에 옮겨 놓았다. "어느덧 60년이 넘는 내 삶에서 가장 치열해서 오히려 처절한 감정까지 들 정도로 유화물감과 씨름했다"는 강승희는 자신의 작품을 "눈물겹게 얻어낸 서정성"이라고 했다. 미술평론가 고충완도 "작가에게 매체를 완전히 바꾼다는 것은 쉽지 않은 결정이고 선택"이라며 치열한 작업에 동의했다. "판화에서 일군 그만의 정서, 풍경의 서정성 혹은 시간의 감성이라고 해도 좋을 어떤 상징적인 감성을 형상화하는데 유화라는 매체에 정진하고 있다. 이미 그 경지에 이르렀다는 사실을 남들은 다 알고 있지만, 자신은 몰라 여전히 캔버스에 몰입하는 작가가 강승희이다." 제주가 고향인 강승희는 홍익대학교에서 유화를 전공하고 판화를 부전공했다. 현재 추계예술대학에서 판화를 가르치는 교수로 재직하고 있다. 그동안 판화로 수많은 작품을 발표했다. 1991년 제9회 ‘대한민국미술대전’에서 대상, 같은 해에 일본 ‘와카야마국제판화비엔날레’에서 2등, 2000년에 제1회 칭다오 국제판화비엔날레에서 동상을 수상하는 등 국제적으로도 인정받은 판화가다. 극도의 세밀함으로 수묵화의 먹이 퍼지는 효과를 판화 제작기법으로 표현해낸 작품은 중국, 일본에서 많은 인기를 얻었고 국내에서는 최고의 판화작가라는 수식어를 얻었다. 영국 ‘대영박물관’을 비롯해 ‘국립현대미술관’, 중국 ‘중경미술관’ 등 유명 미술관이 작품을 소장하고 있다. "적막하고 심심한, 허허롭고 고요한, 눈에 띄는 변화도 없고 별반 시선을 끌 만한 것도 없는 풍경이 여백을 떠올리게 해서 좋고 고독해서 좋다. 자연스럽게 한강 하구를 걷는 것이, 논밭 사잇길을 걷는 것이 작가의 산책코스가 되었다. 그대로 작가의 그림을 보는 것 같고, 작가의 그림 속에 들어온 것도 같다."(미술평론가 고충환) 새벽의 어스름한 대기와 고요한 새벽의 기운. 막 깨어나는 순간이며, 아직 깨어나지는 않은 미몽의 시간, 그 새벽에 강승희의 '새벽'이 매번 새 삶을 경배하고 있다. 전시는 27일까지. 2021/11/09

호암미술관 품격과 파격...'야금 冶金: 위대한 지혜'전 '인간의 위대함'을 증명하는 전시다. 거친 자연에서 가장 귀한 창조물을 만드는 '도구를 사용하는 인간'의 영리함은 현재 진행형임을 보여준다. 특히 노출 콘크리트 공간에 쇠로 만든 파티션과 쇼케이스를 사용한 파격적인 전시 연출은 위대함과 경건함을 동시에 전한다. 경기도 용인 호암미술관에서 열리고 있는 '야금 冶金: 위대한 지혜'전시는 호암미술관이 40년만에 새 단장해 선보여 더욱 주목받고 있다. 지난해 2월 코로나19 사태로 인해 휴관했다가 지난 8일 다시 문을 열고 기획전을 선보이고 있다. 선사시대 유물부터 현대 야금을 대표하는 국가무형문화재(한국공예장인) 작품을 한꺼번에 만날 수 있다. 국보 5점, 보물 2점, 현대미술 9점, 국가무형문화재작품 5점 등 45점이 전시됐다. ◆호암미술관 40년만에 새 단장 경기 용인 에버랜드 옆에 있는 호암미술관은 1982년 4월 개관한 사립 뮤지엄이다. 호암(湖巖) 이병철(1910~1987) 삼성그룹 창업자가 생전 30여 년에 걸쳐 수집한 한국 미술품을 바탕으로 설립했다. 한국 전통미술의 아름다움을 널리 알리고자 했던 호암의 뜻에 따라 주로 고미술품 전시를 펼쳐왔다. 반면 이번 전시는 고미술품이지만 컨템퍼러리 전시처럼 파격적인 연출이 돋보인다. "잊힌 미술관처럼 돼 있는 호암을 리뉴얼"한 이유다. 호암과 리움이 태생에 차이가 있었으나, 이제부터는 현대미술을 중심으로 전통문화를 융합하는 방향에서 함께 나아간다는 것이다. 삼성문화재단측은 "호암은 옛 작품들만 전시하는 박물관처럼 인식이 됐지만 이젠 국내를 넘어 세계 미술계에 한국 작가들을 소개하는 글로벌 뮤지엄이 되기 위해 당대 미술의 흐름과 함께 호흡하겠다는 방침"이라고 밝혔다. 리움에 이어 호암미술관 리뉴얼 작업도 패션디자이너인 정구호 크리에이티브 디렉터가 맡았다. 편의성과 미적인 측면을 고려한 콘셉트로 디자인 작업을 하고 있다. 창립 40주년이 되는 내년 4월까지 리뉴얼 작업을 마칠 예정이다. ◆'야금 冶金: 위대한 지혜' 전...국보 보물등 45점 전시 ‘야금(冶金)’은 광석의 채굴에서부터 금속을 추출, 정련하여 사용 목적에 적합한 형상으로 만드는 모든 과정을 포괄하는 의미를 담고 있다. 이번 전시는 금속 유물의 제작 기술이나 장식 기법 등에 치우친 기존의 시각에서 벗어나 각 시대의 상징이자 위대한 지혜로서 야금에 대해 조명한다. 더불어 야금에 깃든 지혜는 과거에 머물지 않고 창의적으로 계승되어 오늘날 예술의 영역에서 조각, 설치미술, 영상 등 다양한 작품들을 탄생시키고 있는 현재 진행형임을 강조한다. 전시는 선사시대 청동기 유물 중심의 1부 '자연과 신: 오랜 추상과 상징의 미학'으로 시작하여 2부 '왕: 숭고한 권위와 호국의 염원', 3부 '부처: 적멸의 빛과 해탈의 울림'에서 고미술 분야 전반에서 야금의 전통을 다룬다. 국내 현존하는 가야 금관 중 유일하게 완벽한 형태를 갖추고 있는 '금관'도 전시됐다. 당시 가장 귀한 재료인 순금과 옥에 세밀한 제작기술이 접목된 한국 고대 야금의 정수를 간직한 작품이다. 가야의 우수한 철기문화를 상징하는 '철제 갑옷'을 통해 한국 야금 기술이 초기 장신구 위주에서 나라를 지키는 실제 무구들로 확산, 발전되는 양상을 살필 수 있다. 마지막 4부 '예술: 위대한 지혜와 영원한 예술'에서는 현대 야금의 전통과 계승을 대표하는 국가무형문화재(한국공예장인) 작품과 현대 작가들의 조각, 공예, 영상에 이르는 다양한 작품을 선보여 야금에 깃든 위대한 지혜를 폭넓게 보여준다. 선조들이 남기 예술력과 함께 서양 작가의 작품도 어우러져 이 시대 '야금' 문화가 인간 중심으로 전개되고 있음을 보여준다. 존 배의 '원자의 갈비뼈'는 가는 철사를 용접하여 정교하고 복잡한 유기적 형태를 구축하며 인종과 연령에 관계 없이 모든 사람들의 살과 피와 뼈의 원자는 동일한 구조임을 상징적으로 드러내며 삶에 기초한 보편적 가치를 추구하는 문화를 전한다. 한편 이번 전시는 직접 관람을 못해도 현장서 보는 것처럼 친절하게 진행한다. 책임 큐레이터의 전시 설명을 호암 유튜브 채널에 공개하고, 11월에는 금속공예 기법 소개 영상도 공개한다. 용두보당, 청동은입사향완 등에서 볼 수 있는 세밀한 전통기법을 영상으로 재현하여 방문 전 볼 수 있게 유튜브에 게시(누금 기법, 은입사 기법, 아말감도금 기법, 금박도금기법)한다. 전시 오디오 가이드 '큐피커(Qpicker)' 앱을 통해 전시 및 전통정원 '희원' 설명도 제공한다. 전시는 관람 2주전부터 온라인 예약해야 한다. 관람은 무료. 전시는 12월12일까지. 2021/11/04

누가 사랑을 아름답다 했는가!...톰 안홀트 '낙화' '누가 사랑을 아름답다 했는가~' 가왕 조용필의 '창밖의 여자' 노래가 떠오르는 그림이다. 독일에서 날아온 화가 톰 안홀트(34)는 '이중적'이다. '사랑'을 주제로 한 작품이라는데, 로맨틱함 보다는 폭력적이고 쓸쓸하면서 공포감이 스민 그림을 내놓았다. 2019년 학고재청담에서 아시아 첫 개인전을 선보인 이후 호평받고 학고재에서 전시를 약속한 그는 2년만에 코로나19 사태를 뚫고 한국에 들어왔다. 2년 만에 한국에 가져온 그림은 피고 지고, 밝음과 어둠이 함께하는 양가적인 서사가 가득하다. 그는 코로나 사태속에서도 지난해 런던, 베를린, 로스앤젤레스, 코펜하겐 등 세계 곳곳에서 개인전을 선보이며 바쁜 나날을 보냈다. 학고재 본관에서 여는 이번 전시는 톰 안홀트가 한국의 미술 애호가들을 위해 새롭게 제작한 작품 24점을 선보인다. 유화 12점과 수채화 12점을 다채롭게 구성했다. 이번 전시를 관통하는 주제는 ‘사랑의 서사’다. 늘 아름답지만은 않은 사랑의 양가적인 측면에 대한 이야기를 담아냈다. 전시에 선보인 화면들은 저마다 낭만적인 동시에 불안하고, 때로 폭력적인 사랑 이야기를 품고 있다. 톰 안홀트의 작업은 미술사와 가족사, 경험과 상상 속 이야기들을 하나의 화면 위에 중첩하는게 특징이다. 복합적인 서사의 망을 특유의 영화적 감각으로 엮어낸다. 전시 타이틀은 '낙화'. 전시장 입구에 걸린 작품 '낙화'가 그대로 보여준다. 전시명과 동일한 '낙화'는 전시를 구성하는 이야기의 마무리로 "줄기로부터 떨구어진 꽃은 미약하게 살아 있으며 아직 죽지 않았다"는 메시지를 전한다. 독일에서 내한해 27일 한국 기자들을 만난 톰 안홀트는 "아름다움을 간직한 채 미약하게 살아 있는 꽃 봉우리가 사랑의 정서를 상징한다"면서 "이번 전시에 마지막으로 그린 이 작품을 통해 자신감을 얻었고, 용기를 내고 다음 단계로 나아갈 수 있게 한 작품"이라고 설명했다. 사랑을 주제로 했지만 화면속 사랑하는 사람들의 모습을 이상화하지 않는다. 마치 연극무대처럼 풀어낸 그림은 작가가 책을 쓰듯 이야기를 구성했다. 동심 가득한 아이가 어른으로 자라나, 자신이 직간접적으로 경험한 이야기들을 다채롭게 풀어놓은 전집 같은 전시다. 지난해 세계 곳곳에서 전시를 연 톰 안홀트는 이번 한국 전시를 위해 다시금 심혈을 기울였다고 했다. 전시장에 걸린 작품 순서는 마치 책 첫페이지에서 연결되듯 이어진다. '부서진 바위 (무명의 페르시아 세밀화)'(2021)의 연인처럼 폭력성을 드러낸다. 또 '2 AM'(2021)의 인물이 잠든 밤중 침대 밑의 유령이 되어 꿈의 세계를 괴롭히기도 한다. 사랑은 '낯선 사람'(2021)이 드러내는 고립의 정서를 감내하는 일이다. 마직막으로 '인사가 아닌'(2021)의 화면은 버림받은 연인의 무력감을 묘사한다. 예기치 못한 죽음의 상황, 또는 익사의 위기 속에서 도움을 외면당한 이의 절망에 비유된다. 톰 안홀트의 작업은 주로 콜라주와 수채화 습작에서 시작된다. 자르고, 편집하고, 확대한 일상의 장면들이 작가 특유의 영화 필름기법처럼 선보이는데, 이번 전시에는 가로 세로 직사각형의 액자에 담겨 더욱 눈길을 끈다. 매스미디어 시대, 오로지 붓과 물감으로만 완성한 젊은 작가의 작품이 신선하다. '페인팅은 위대하다'는 작가의 세계관을 보여준다. 전시는 11월21일까지. ◆톰 안홀트는 누구? 톰 안홀트는 1987년 영국 바스에서 태어났다. 아일랜드계 어머니와 페르시아계 유대인 혈통을 지닌 아버지 사이에서 태어나 다양한 문화적 배경 속에서 자랐다. 2010년 런던예술대학교 첼시 컬리지 오브 아츠 순수미술학과를 졸업한 뒤 독일 베를린에 정착했다. 회화 작가로서 독자성을 확립하기 위하여 미술사와 자신의 가족사를 꾸준히 연구해왔다. 이에 삶의 경험으로부터 얻은 영감을 더해 자신만의 독특한 화면을 구축해낸다. 톰 안홀트는 청소년기 런던 테이트 브리튼에서 막스 베크만(Max Beckmann)의 전시를 관람한 것을 계기로 작가의 꿈을 키웠다. 유럽의 모더니즘 작가들로부터 받은 영향을 기반 삼아, 기독교 중심의 서구 문화와 서아시아의 페르시안 세밀화 양식을 작품세계에 끌어들였다. 서구 모더니즘과 이슬람의 문화적 요소가 하나의 화면 위에 어우러져 신비로운 분위기를 조성한다. 화면 속 밤하늘에 빛나는 달, 기하학적 무늬들, 평면적인 배치는 페르시아 세밀화에서 참조한 요소들이다. 지난 2018년 쿤스트 페어라인 울름(울름, 독일)에서 개인전을 열어 주목받았다. 2019년 학고재청담(서울)에서 아시아 첫 개인전을 연 이후 세계 각국의 러브콜을 받았다. 갤러리 아이겐+아르트(베를린; 라이프치히, 독일), 갤러리 미카엘 안데르센(베를린; 코펜하겐), 조쉬 릴리(런던), 프랑수아 게발리 갤러리(로스앤젤레스, 미국), 1969갤러리(뉴욕) 등 세계 곳곳에서 개인전을 개최하며 동시대 가장 주목 받는 젊은 작가로 자리매김했다. 컬렉션 알레산드로 베네통(트레비소, 이탈리아), 컬렉션 마리오 테스티노(런던), 컬렉션 미티넨(독일; 핀란드), 사치 컬렉션(런던), 덴마크 서지센터(코펜하겐) 외 다수의 기관 및 재단이 작품을 소장하고 있다. 2021/10/27

국립현대미술관, 최욱경 대규모 회고전...삼성미술관 소장 작품도 공개 삼성미술관 리움 소장품인 故 최욱경(1940~1985)의 작품 8점이 국립현대미술관에 공개됐다. 화가 최욱경(1940~1985)은 국내 추상회화의 전설이자 '요절 화가'로 유명하다. 1985년 7월 갑작스러운 심장마비로 45세에 별세했다. 故 이건희 삼성 회장의 수집품에도 이름을 올려 더욱 주목받고 있는 최욱경 작품은 대담하고 화려한 색과 분방한 필치로 내면의 열정과 자유에 대한 열망, 자연의 생명력과 여성으로서의 정체성 등을 표출했다는 평가를 받고 있다. 27일 국립현대미술관(MMCA, 관장 윤범모)은 최욱경의 대규모 회고전 '최욱경, 앨리스의 고양이'를 과천에서 개막했다. 이번 전시는 미술 교육자이자 시인이기도 했던 작가의 전방위적인 활동 이력을 총체적으로 조망한다. 특히 최욱경의 작업세계에 큰 영향을 미친 것으로 알려진 루이스 캐럴(1832~1898)의 소설 '이상한 나라의 앨리스(Alice’s Adventures in Wonderland)'와 연계된 다층적인 지점들에 주목해 기획됐다. 1950년대 이후 미발표작 공개와 함께 미술과 문학의 연관 관계 조명하는 1953년 자화상부터 1985년 작고하기까지의 작품 및 자료 200여 점을 선보인다. ◆'요절화가' 최욱경은 누구? 1950년 서울에서 출생한 최욱경은 서울예고와 서울대 회화과를 졸업한 뒤 1963년에 도미(渡美)했다.1963~1966년 사이의 유학 기간 동안 추상표현주의와 후기회화적 추상에서 팝아트와 네오 다다에 이르기까지 동시대 미국 현대미술을 폭넓게 학습했다. 이를 기반으로 최욱경은 1960년대 중반부터 색면의 대비와 표현적인 붓터치가 두드러지는 추상회화를 본격적으로 제작하기 시작했고, 캔버스 위에 문자와 텍스트를 도입하거나 신문, 잡지를 이용한 콜라주 등 재료의 사용과 기법적인 면에서 다채로운 실험을 시도하게 된다. 1965년 '앨리스, 기억의 파편'을 통해 '이상한 나라의 앨리스'에 관한 관심을 처음 구체화했다. 이 책의 출간 100주년을 맞아 미국에서도 관련 도서들이 재출간되었던 해에 '앨리스, 기억의 파편'이 제작된 것으로 보아, '이상한 나라의 앨리스'에 대한 최욱경의 관심도 당대의 이러한 분위기로부터 영향을 받은 것으로 보인다. 언어와 문화가 모두 낯선 미국 유학의 경험을 ‘뿌리가 흔들리는 충격’이라고 표현했던 만큼, '원더랜드'에서 자신의 정체성이 뒤바뀌는 혼란을 겪는 앨리스의 이야기가 쉽게 공감의 대상이 되었을 것이라는 분석이다. 최욱경이 미국에서 비교적 안정적인 생활을 하게 된 것은 1968년 뉴햄프셔에 위치한 프랭클린 피어스 대학의 조교수로 재직하게 된 시기부터였다. 같은 해에 그는 '평화'와 같은 구상 작업을 통해 당대 미국 사회의 주요 쟁점이었던 베트남전 반전 운동에 동조하는 자신의 목소리를 구체적으로 드러냈다. 1960년대의 작업에서 절규하는 '화난 여인'(1966)이 반전과 평화의 메시지를 명확하게 발언하는 '평화'속의 단호한 여성으로 바뀌어가는 모습은 최욱경이 유학생에서 교수로 자신의 정체성을 변화시키며 미국 사회에 적응해가는 과정 그 자체를 반영하고 있기도 하다. 미국 유학 후 현지에서 화가이자 미술 교육자로서의 활동을 본격화했다. 1965년에는 '작은 돌들(Small Stones)'이라는 영문 시집을 출간, 문학에 대한 자신의 관심을 처음으로 드러냈다. 1970년대에는 한국과 미국을 오가면서 작품 창작과 강의를 병행했고, '앨리스의 고양이'를 비롯한 시 45편을 수록한 국문 시집 '낯설은 얼굴들처럼'(1972)을 출간하기도 했다. 1979년부터 1985년 작고할 때 까지는 영남대와 덕성여대 교수로 재직하면서 한국의 산과 섬을 주제로 한 회화 작업 제작에 몰두했다. 1976~1977년에는 뉴멕시코에 위치한 로스웰 미술관 레지던스 프로그램에 참가했는데, 이 경험은 최욱경의 작업 전반에 있어 주요한 변곡점으로 작용했다. 이 시기에 제작된 작품들에는 꽃과 산, 새와 동물을 연상케 하는 유기적 형태들이 뒤얽혀 있으며, 회전하면서 군무를 추거나 날아오르듯 부유하는 생명감이 넘치는 대작들이 주를 이룬다. 최욱경은 이 작품들을 제작하는 데 있어 영감을 준 요인으로 뉴멕시코의 풍경과 '이상한 나라의 앨리스'를 언급한 바 있다. 국립현대미술관 강수정 학예연구실 과장은 "결국 이 시기의 작업은 광활한 대지와 모래사막, 진귀한 야생동물들이 공존했던 뉴멕시코의 이국적인 풍경과 더불어 앨리스와 기이한 동물들이 엮어내는 '이상한 나라의 앨리스' 의 초현실적인 꿈속 풍경이 뒤섞이면서 만들어진 것으로 볼 수 있다"며 "구상과 추상이 결합된 최욱경만의 독자적인 추상미술이 탄생한 곳은 한국과 미국, 현실과 꿈속이라는 두 개의 서로 다른 세계가 만나는 ‘사이의 공간’"이라고 정의했다. 최욱경은 1980년대에 '상파울루 비엔날레'(1981), 뉴욕에서 '한국 현대 드로잉전'(1981), 교토에서 '한국 현대미술의 위상전'(1982), 파리의 '살롱 도톤'(1982) 등 해외에 한국 현대미술을 소개하는 국제 전시에 다수 참여하면서 당대의 한국 미술을 대표하는 작가로 인정받았다. 작고 이후에도 국립현대미술관과 호암갤러리 등에서 작가를 추모하는 회고전(1987)이 개최된 바 있다. 파리 퐁피두 센터에서 개최된 '여성 추상미술가들(Women in Abstraction)'(2021.5) 전시가 10월 22일부터 스페인 빌바오 구겐하임미술관 순회 전시되고 있다. 또한 모교인 미국 크랜브룩 미술 아카데미전시('1932년 이후 크랜브룩 미술 아카데미'에도 출품되는 등 해외에서도 시대를 앞섰던 추상표현주의 여성화가로 인정받고 있다. 윤범모 국립현대미술관장은 “최욱경의 화업을 총망라한 이번 회고전은 한국 추상미술의 위상을 높이는데 기여한 작가의 진면목을 살펴볼 수 있는 기회”라며 “화가 최욱경의 이력 뿐 아니라 시인이자 미술 교육자로 활동했던 그의 다양한 활동이 부각되어 국내외에서 최욱경을 재인식하는 계기가 되길 바란다”고 밝혔다. 전시는 2022년 2월 13일까지. 2021/10/27

BTS RM이 좋아하는 '윤형근의 기록'…PKM 갤러리 자부심 "인간적인 척도가 곧 예술의 척도다." 故 윤형근 화백(1928~2007)은 생전 '선비 같다'는 평판이 자자했다. ‘청색(Ultramarine)’과 흙의 빛깔인 ‘다색(Umber)’의 안료를 혼합하여 깊은 농도로 화폭에 풀어내 작업했다. 표백 처리를 하지 않은 마포나 면천 위에 스미게 한 물감의 자연스러운 번짐 효과가 윤형근 작업의 특징으로, 군더더기 없는 단순함이 극치다. 일체의 작위와 기교가 배제된 그의 작업은 서화를 고매한 인격의 자연스러운 발현으로 여겼던 옛 선비정신과도 맞닿아 있다. 윤형근은 자신의 그림은 조선 말기 추사 김정희의 쓰기에 뿌리를 두고 있다고 밝힌 바 있다. 생전 '침묵의 화가'로 유명했지만, 사후에 작품은 떠들썩해졌다. 미술컬렉터들에 없어서는 안 될 '블루칩 작품'으로 등극했다. 묵직하고 둔탁한 그림이지만 MZ세대에게도 통한다. 방탄소년단 RM이 좋아하는 작품으로도 더 알려졌다. RM은 2018년 윤형근 베니스 전시때 비행기를 타고 날아와 관람해 화제가 되기도 했다. 작가 사후에도 꾸준하게 작가와 작품이 부각되는 건 이유가 있다. 윤형근 작품을 관리하는 갤러리의 역할이 크다. 故 윤형근 화백이 부활한 건 PKM 갤러리 박경미 대표 덕분이라고 해도 과언이 아니다. 상업화랑으로 작품을 전시하고 판매하는 일이 주된 일이지만 화랑의 역할은 여기서 그치지 않는다. 숨은 작가를 발굴하고 지원하며 '미래 자산'으로 키운다. 작가들도 어느 화랑과 손잡느냐에 따라 성패가 갈린다. (물론 콧대높은 화랑은 아무 작가와 손을 잡지 않는다. 화랑도 생존 퀘스트 같은 머니게임판이다.다만 장사인 듯 장사같지 않은 문화 사회적 기업이라는 차이가 있다) 윤형근도 사후 관리가 안된 채 작품이 경매 시장에서 거래되기만 했다면, 국내외에서 '단색화 거장'이라는 위상을 굳히기는 쉽지 않았을 것이다. 누렇고 까만 심심하기까지 한 그림은 국내 손꼽히는 기획 화랑인 PKM 갤러리가 손 대면서 고품격 마케팅 효과가 발휘됐다. '김환기 사위'에서 '단색화 거장'으로 업그레이드 되며 국내외에서 유명세를 올린 배경이다. 국내 미술시장에 '단색화 붐'이 일면서 함께 떠오른 윤형근은 경매시장에서 낙찰가가 고공행진했다. '잘 팔리는 작가'에서 박서보 하종현 이우환과 함께 '단색화 거장'으로 불리며 국내외 미술계를 평정했다. 2018년 여느 단색화 거장보다 먼저 사후 11년만에 국립현대미술관에서 첫 회고전을 열었다. 이어 2019년 베니스비엔날레 기간 윤형근 열풍이 일었다. 베니스 시립 포르투니 미술관에서 연 순회전은 해외 언론의 찬사가 이어지며 세계 미술계에서 화제가 됐다. 한국 현대미술의 국제적 인지도를 높이는데 괄목할 만한 성과의 시작이었다. 작품 판매보다 작가 위상에 초점을 맞춘 PKM 갤러리의 차별화된 마케팅 전략으로, 작가와 윈윈(win-win)하며 진정한 화랑의 역할을 보여준 결실이기도 했다. 故 윤형근 화백이 코로나 시대에도 부활해 다시 눈길을 끌고 있다. 지난해 윤형근 개인전을 열고 윤형근 작품을 노래한 김오키의 재즈 음반을 한정판으로 발매한 PKM 갤러리는 올해는 단행본을 출간해 윤형근의 면모와 위상을 강화했다. '윤형근의 기록' 출간을 기념하는 특별전을 마련했다. 22일 개막한 전시는 단행본과 연관된 미공개 드로잉 수십여 점과 초기작을 포함한 주요 회화, 편지·수첩·사진 등 엄선된 아카이브 자료들이 일반에 최초로 공개됐다. (개막일 방탄소년단 RM이 전시장을 방문, 윤형근을 좋아하는 마음을 고스란히 내비쳤다. 그는 공식 트위터에 그림옆에 선 사진을 공개하며 예술을 사랑하는 '인간적인 척도'를 인증했다.) 단행본 '윤형근의 기록'은 생전에 화첩, 메모첩, 서신 등에 남긴 소박한 기록들을 엮었다. 윤 화백의 평소 생각과 생활 속의 감정들이 솔직담백하게 드러난다. 1977 년에 선포된 ‘천지문千字文: BLUE 는 하늘이요, UMBER 는 땅의 빛깔이다. 그래서 천지(天地)라 했고 구도는 문(門)이다'라는 개념에서부터 작업 중간 중간에 남긴 고뇌의 흔적이 고스란히 담겼다. 말이 없던 화가의 속내도 엿볼수 있다. 동료 예술가들과의 외국 여행담, 아버지라고 불렀던 장인 김환기 화백과의 추억, 아내와 아들에게 쓴 정다운 편지까지, 잔존하는 그의 기록들이 단행본에 수록됐다. 책에는 아들 윤성열과 윤 화백의 오랜 벗이었던 최종태 조각가, 국립현대미술관 윤범모 관장의 에세이도 함께 실려 윤형근 고유의 서사와 작업 세계관을 다양한 각도에서 살펴볼수 있다. PKM갤러리 박경미 대표는 "지난 2년 여간 윤형근의 서교동 작업실에서 수집하고 판독해 온 글 300 여 점을 중심으로 심혈을 기울여 단행본을 제작했다"며 "'윤형근의 기록'이 더욱 울림 있게 대중에게 알려지는 계기가 되었으면 한다"고 말했다. 마치 '윤형근 갤러리'처럼 매년 펼치는 '윤형근 알리기'는 PKM 갤러리의 '예술의 척도'로 보여진다. 한편, 단행본 '윤형근의 기록' 은 PKM 갤러리에서 새롭게 출범한 PKM BOOKS에서 발간하는 첫 번째 책이다. 출간에 맞춰 '아트 패키지' 198개의 한정판 에디션도 선보인다. 아트 패키지는 '윤형근의 기록' 1권과 윤 화백이 생전에 남긴 메모첩 중 3점을 재현한 실물 복각판, 회화 작업 이미지로 제작된 최고급 아트 프린트 1 종으로 구성됐다. 이 견본은 특별전에도 전시됐다. 박경미 대표는 "''윤형근의 기록'은 디자인부터 구성까지 어디에 내놓아도 손색없는 최고의 책과 아트패키지"라며 "아트컬렉션으로서의 소장 가치를 높였다"고 자신했다. 전시는 11월14일까지. 2021/10/23

"무덤 들어가 후회 안하려 지금도 최선"...박서보 화백 '금관 문화훈장' "나는 그림 그리기가 수행이라고 생각해요. 그래서 색칠과 선 긋기를 반복하는 것이지요. 그렇게 해서 만들어내는 깊은 맛은 서양인들이 도저히 흉내 낼 수 없는 것이에요. 누구도 따라못할 밀도감을 담으려고 지금도 최선을 다하고 있어요" '한국 현대미술의 선구자', '단색화 거장' 박서보(91)화백이 정부가 수여하는 금관 문화훈장 수상자로 선정됐다. ‘문화훈장’은 문화예술 발전에 공을 세우고 국민 문화향상과 국가발전에 기여한 인물에게 수여하는 훈장으로, 금관, 은관, 보관, 옥관, 화관 총 5등급으로 분류된다. 박서보 화백이 받는 ‘금관 문화훈장’은 1등급의 최고 영예로, 공적기간 30년 이상의 해당분야 개척자에게 수여된다. 21일 문체부는 “박서보 화백은 세계에서 한국미술을 상징하는 브랜드로 자리매김하고 있는 ‘단색화’의 선구자로서 한국미술의 추상화를 세계에 알렸으며, 홍익대학교 교수, 한국미술협회 이사장으로 활동하면서 행정가이자 교육가로 한국미술 발전에 공헌했다”고 선정 이유를 밝혔다. 앞서 박 화백은 1984년 국민훈장 석류장, 1994년 옥관 문화훈장, 2011년 은관 문화훈장을 수훈했다. ‘문화예술 발전 유공자’의 역대 금관 문화훈장 수여자로는 故 정지용 시인(2018년), 故 황병기 가야금 명인(2018년), 연극인 임영웅(2016년) 등이 있다. "지구에 살아있는 시간이 많지 않거든요." 아흔이 넘은 고령의 화백은 "죽어서 무덤에 들어가서 후회하지 않으려고 지금 최선을 다하고 있다"며 아직도 열정을 불태우고 있다. 이중섭·박수근·김환기 등 '죽은 화가'와 달리 '박서보'는 살아 생전 화가의 기쁨을 누리고 있다. '단색화 거장'으로 불리며 지난 10여 년 전 팔순에 최고의 화가로 등극하며 승승장구 하고 있다. 화가는 환갑 이후부터가 절정이라는 말을 박서보 화백이 증명했다. 내년에 베니스비엔날레에서 전시계획도 잡혔다. 캔버스 크기는 200호(259× 195cm) 대작들에 신작을 선보인다. 2019년부터 시작한 작품으로 올해 말 끝낸다는 의지다. 일본 유학파 등 이전 세대와 달리 '토종 미술인'인 그의 그림 '묘법'은 마법이 됐다 '장르가 박서보'라 할 정도로 독보적인 작품이다. "한국에서 대학을 나오고 끝까지 살아남아 단색화를 일궈내고 세계화시켰다"는 그의 말이 빈말이 아닌 이유다. 박서보 화백은 1950년대 문화적 불모지였던 한국미술에 추상미술을 소개했다. 1957년 한국 엥포르멜 운동에 주도적인 역할을 한 현대미술가협회의 주요 멤버로 활동한 뒤, 1961년 세계청년화가 파리대회에 참가하여 추상표현주의 미학을 바탕으로 한 ‘원형질’ 시리즈를 전개했다. 1960년대 중반부터 ‘유전질’, ‘허상’ 연작을 발표하며 보다 발전된 추상표현주의를 선보인 데 이어 1970년대 이후 ‘묘법’을 통해 새로운 전환을 시도했다. 일명 '손의 여행'으로 일컫는 그의 대표 작품 '묘법(描法·Ecriture)은 박 화백의 회화 인생의 정점을 이룬다는 평과 함께 지금까지도 국제적인 명성을 쌓아오고 있다. 1980년대 이후 본격화된 ‘후기묘법’에서는 종이 대신 한지를 사용한 화면 안에 반복적인 선 긋는 행위를 통해 고도의 절제된 세계를 표현한다. '묘법'은 한국을 대표하는 미술로 부상, 세계 미술계의 러브콜을 받았다. 올해 프랑스 파리 퐁피두센터는 간결함과 단아함이 돋보이는 박서보의 2012년 후기묘법 작품의 영구 소장을 확정하며 여전히 지속되고 있는 단색화의 열풍을 입증했다. 지난 6월 미국 뉴욕타임스는 ‘한국 미술계의 거장, 자신의 유산을 세상에 남기려 하다(A Towering Figure in South Korean Art Plans His legacy)’라는 기사를 통해 박서보의 인생과 예술철학, 작품세계를 집중적으로 다룬 바 있다. 아울러 프랑스 엑상프로방스의 와이너리이자 수준 높은 현대미술품을 선보이는 샤토 라 코스테(Château La Coste)의 리처드 로저스 갤러리(Richard Rogers Gallery)에서는 박서보의 개인전이 지난 8월 23일부터 열리고 있다. 국제갤러리는 전속화가인 박서보 화백의 작품 세계를 국내외에 집중적으로 알리고 있다. 국제갤러리는 2019년 국립현대미술관에서 대규모 회고전 이후, 박서보 예술 세계의 ‘현재’를 다시 조망하는 전시 'Park Seo-Bo'(10월 31일까지)를 진행 중이다. ‘후기 묘법’과 ‘색채 묘법’으로 알려진 2000년대 이후 근작 16점을 소개하는 이번 전시는 자연에서 발견되는 선명한 색감과 주변 도시 경관의 보다 단조로운 색감이 혼재된 치유의 공간을 선사하며 많은 관람객들의 발길을 이끌고 있다. 국제갤러리 K1 공간에서는 공기색, 벚꽃색, 유채꽃색, 와인색을, 그리고 K1의 안쪽 전시장에서는 홍시색, 단풍색, 황금올리브색 등 박서보가 자연에서 화면으로 유인한 색을 경험할 수 있는 기회를 제공한다. ◆박서보 화백은 누구? 박서보(1931·본명 박재홍)는 홍익대학교 회화과를 졸업하고 한국미술의 전위적 흐름을 이끌어왔다. 1962년 처음 강단에 선 후 홍익대학교 미술대학 교수(1962-1997) 및 학장(1986-1990)을 역임, 2000년에는 명예교수로 임명됐다. 한국미술협회 이사장(1977-1980) 및 고문(1980)으로 활동했다. 2019년 국립현대미술관 서울관에서 열린 대형 회고전을 비롯, 같은 해 독일 랑엔 재단(Langen Foundation), 2006년 프랑스 메트로폴 생떼띠엔느 근대미술관 등 국내외 유수 기관에서 개인전을 개최했다. 국제갤러리와 손잡고 전시를 열고 있다. 국제갤러리와 박서보는 국제갤러리(2014), 제56회 베니스 비엔날레(2015), 벨기에 보고시안 재단(2016), 상하이 파워롱미술관(2018) 등에서 열린 그룹전들을 통해 단색화를 전세계에 알리는 여정을 함께 해왔다. 작품은 국립현대미술관, 도쿄도 현대미술관, 파리 퐁피두 센터, 구겐하임 아부다비, 홍콩 M+미술관 등에 소장되어 있다. 2021/10/21

키아프, 650억치 매출…MZ세대 구매 경쟁·사재기 현상 우려 "보러 온 게 아니라 사러 왔더라" 한국국제아트페어(KIAF·키아프)에 참가한 한 화랑 주인은 새삼 달라진 미술 애호가들의 태도에 깜짝 놀랐다고 했다."이전엔 그냥 보고 지나가는 사람이 대부분 이었다면, 올해는 바로 그림을 사겠다는 사람들이 많았어요. 덕분에 '빨간 딱지'를 빨리 붙이고 작품들을 몇번 교체하기도 했죠." 실제로 지난 13~17일 열린 '키아프 서울 2021'이 역대 최고 매출·최다 방문객 기록을 갈아치웠다. 18일 한국화랑협회에 따르면 '키아프' 행사 5일간 약 650억원어치를 판매했다. 2019년 매출 310억원의 두 배를 뛰어 넘은 기록이다. 지난해 코로나19 사태로 키아프가 온라인으로만 진행되어 '보복 소비'수요가 폭발했다는 분석도 있다. 방문객도 2019년보다 7% 이상 증가한 약 8만8000명으로 집계됐다. 협회는 "토요일 오후 3시경에는 홀 내부 순간 허용 인원인 3063명에 도달하여 모든 입구를 닫고 내부 인원이 줄어들기를 기다렸다. 마지막날인 일요일도 오후 1시경부터 제한 수량을 넘어 입구를 닫았으며 약 2시간가량 순차적 입장을 진행했다"고 전했다. 연예인들의 방문도 이어졌다. 방탄소년단(BTS) RM과 뷔를 비롯해 전지현, 이병헌·이민정 부부, 소지섭, 노홍철, 이승기, 황신혜, 소유진, 성유리, 한지혜, 청하 등이 현장을 찾아 눈길을 끌었다. 올해 행사는 세계 10개국이 참여, 170개 갤러리 부스로 3000여점을 전시 판매했다. ◆VVIP(13일)·VIP(14일) 구분 입장...첫날 매출 50% 돌파 매출은 첫날부터 흥행했다. 부스는 작품 판매를 알리는 '빨간 딱지' 전시장이 됐다. 갤러리들은 판매된 작품을 새로운 작품으로 교체하기 바빴다. 화랑들은 "특히 MZ세대로 불리는 젊은 층 컬렉터들의 '과감한 소비'에 어리둥절했다"며 "기업 큰손과 부자 사모님들에서 이젠 미술시장의 세대교체가 됐음을 느꼈다"고 전했다. 이화익갤러리의 차영석 작가 작품은 매일 새로운 작품을 보충해야 했고 가나아트도 김구림 작가 등 대부분의 작품이 판매됐다. 국제 갤러리도 박서보 하종현의 수천만원대 작품이 바로 팔렸고, 첫날 걸려있던 칸디다회퍼(Candida Hofer) 작품이 다른 작품으로 교체됐다. 학고재도 마찬가지. 부스 외벽에 건 김현식을 작품은 걸자마자 바로 팔려 다른 작품으로 내걸기 바빴다. 실제로 화랑협회에 따르면 키아프가 열리는 VVIP 오픈일 첫날에 매출의 50%를 돌파했다. 키아프 운영위원회는 "갤러리에 제공한 VVIP 카드 2000여장 중 70~80%에 달하는 손님들이 첫날 입장했고 스폰서와 파트너사의 손님들도 방문, 먼저 작품들을 '쓸어갔다'"면서 "새로운 컬렉터층으로 떠오르는 MZ세대 컬렉터들의 구매 경쟁이 치열했다"고 밝혔다. 한국화랑협회 황달성 회장은 "전 세계의 아트마켓이 침체에 빠진 상황에서 한국은 오히려 MZ세대를 중심으로 한 신진 컬렉터들이 미술작품 투자에 많은 관심을 볼 수 있었다"며 "다양한 층의 컬렉터와 MZ세대 컬렉터의 구매력, 메이저 해외갤러리 대표들의 방문을 통해 한층 더 서울이 아시아 미술시장의 중심지로 자리매김한 것을 확인할 수 있었다"고 밝혔다. 키아프는 올해 처음으로 시도한 '큰 손 따로 마케팅'이 주효했다는 평가다. 개막 이틀전인 13일 먼저 맞이한 'VVIP'는 먼저 작품을 차지했다. VVIP카드(30만원)는 올해 처음으로 한정 판매했다. 협회 관계자는 "이전에는 VIP 카드를 수령한 손님들이 오픈일이나 주말에 혼자 느긋하게 왔다면 올해는 달랐다"고 했다. "구하기 어려운 키아프 VVIP 카드를 받은 손님들은 대부분 동반인과 함께 빠짐없이 방문했고 이로 인해 컬렉션을 기다려오던 주요 손님들이 대부분 첫날에 입장했다"고 밝혔다. ◆ 프리즈 아트페어 전초전...세계 유명화랑 대거 참가 한몫 올해 역대 최고 매출을 기록한 '키아프 서울 2021'은 코로나19로 2020년 오프라인 행사가 취소되어 생긴 공백을 2년만에 회복한 셈이 됐다. 특히 올해는 국내 지점이 있는 해외 갤러리뿐만 아니라 지점이 없는 해외 디렉터들도 참가, 국제아트페어인 '키아프'의 위상 강화를 재확인했다.쾨닉·에스더시퍼·페레스프로젝트·VSF 등 해외 유명 갤러리들이 들어왔다. 무라카미 타카시(Murakami Takashi)의 솔로쇼로 키아프에 참가한 페로탕(Perrotin)의 엠마뉴엘 페로탕(Emmanuel Perrotin)이 VVIP날부터 부스에서 손님들을 맞이하며 대박의 기운을 누렸다.40억원, 25억원으로 추산되는 무라카미의 대형 작업들이 줄줄이 거래됐고 예약되어 있던 작품까지 마지막날 완판했다. 일본에서 참가한 갤러리 에델(Gallery Edel)은 설치한 작품과 창고에 보관중인 작품까지 모두 완판했다. 작은 부스로 준비한 VSF는 전시한 작품을 모두 판매했고 갤러리 스탠(Gallery Stan)을 비롯한 참가 갤러리 여러곳이 솔드아웃으로 부스에 설치한 작품을 모두 판매하는 진풍경이 펼쳐졌다. ◆미술시장 세대교체 바람...6070에서 3040 신흥 자산가로 이동 코로나19 시대에 뜨거워진 미술시장 흥행세는 수요층의 세대교체 바람이 불었다는 평가가 지배적이다. 시장 전문가들은 "기존 6070 안정적 자산가 중심에서 '3040' 신흥 자산가로 급속하게 이동했다"고 분석했다. 하지만 이 또한 딱 규정할수 없다는 반응도 있다. 한국미술시가감정협회 김영석 이사장은 "국내 미술시장의 폭발적인 흥행은 매우 복합적인 요소가 동시에 작용한 결과이기도 하다"고 말했다. 김 이사장은 "아날로그에서 디지털 시대로의 급변, 코로나 팬데믹으로 인한 온라인시장 급부상, 기성세대 대기업들의 경영진 세대교체, 국제 사회에서의 한국 위상 강화, K-POP을 시작으로 한 한국문화의 우호적 공감대 확산, 부동산 주식시장 구조조정 정책의 반사작용, 2022 프리즈아트페어 국내 입성의 기대감, 포스트 팬데믹의 지친 일상을 위로할 문화콘텐츠의 절실함, 대중스타나 인플루언서의 일상 노출 과정에서 개인적 기호의 대중적 확산, 국제 무대에서 한국 현대미술의 위상과 선호도 증가 등 거의 동시다발적인 요소들의 상호작용으로 지금의 현상을 바라볼 수 있다"고 짚었다. ◆역대급 흥행 '키아프'...과열 양상·사재기 현상도 우려 역대급 매출을 기록한 이번 '키아프 현상'이 반가운 것만은 아니다. 모든 면에서 너무 급하다는 지적이 많다. "미술을 애호하는 문화가 확산되면서 일어난 순수한 현상이라기보다, 미술품 투자욕구와 지나친 과시욕의 소비심리를 앞세운 일부 신흥부유층의 사재기 현상이 염려된다"는 평가다. 실제로 이번 키아프에 참여한 해외의 유명 갤러리의 경우 마지막날에는 과열된 분위기가 부담스러워 갤러리 부스에서 자리를 피하는 사례도 있었다. 해외갤러리 관계자는 "단골 고객과 신규 고객이 뒤섞여 작가나 작품에 대한 이해가 전무한 상태에서 무조건 사려고만 하는 현상이 무척 우려됐다"며 "일부 작품은 판매하지 않았다"고 언급했다. 새롭게 구입한 작품들을 얼마 지나지않아 수익을 목적으로 경매시장에 내놓는 현상을 우려했기 때문이다. 갤러리의 가장 기본적인 역할과 책임감은 작품을 판매하는 결과보다, 해당 작가의 활동에 대한 지원과 작가적 비전을 관리해주는 것이 더 우선한다. 올해들어 경매시장의 활황과 함께 뜨거워진 미술시장을 두고 지난 2007년의 미술시장을 떠올리는 사람들이 많다. 역대 최고의 호황이었지만, 그 수혜는 지극히 일부에게 돌아가, 오히려 작가나 화랑들 간 부익부 빈익빈의 상대적 편차와 박탈감만 남겼던 뼈아픈 교훈이 있다. 이런측면에서 이번 키아프의 최대 매출 흥행은 새롭게 유입된 젊은 고객층이 지속적으로 든든한 유망 고객으로서 한국 미술시장의 주춧돌이 되려면 무엇을 준비해야하는가 하는 숙제를 남겼다. 한편, 키아프가 최초로 시도한 '요일별 관객 구분'도 화제였지만 비싸진 입장료에 비해 사후대책이 미흡했다는 지적이다. 첫날 'VVIP데이'의 입장료가 30만원이었지만 서비스 혜택은 큰 차이가 없었다는 점이다. 실제로 VVIP고객이 받아든건 무료 커피쿠폰 2장이 전부였다. VVIP 한 고객은 "전에 없던 VVIP 카드를 받아 내심 기대감을 가졌는데 단지 동반 1인까지의 입장료에 그쳤다"며 아쉬움을 전했다. "기다려 입장했는데 작품이 이미 팔려 있어 VVIP 혜택이 무엇이냐"는 소동이 벌어지기도 했다. "내년 프리즈아트페어와의 공동 운영에 대한 예행 연습격이라지만, 보다 구체적이고 실질적인 대안을 강구해야 한다"는 지적이다. 2021/10/18

웅갤러리·갤러리 라온 "하인두 화백을 아십니까" 오방색과 단청, 만다라. 한국적 추상미술은 강렬하다. 한국 현대미술 1세대 추상화가 하인두(1930~1989)의 작품 세계를 조망하는 전시가 2곳에서 동시에 열린다. 서울 부암동 웅갤러리와 갤러리 라온에서 7일 개막한 '하인두, 한국적 공간추상의 기수'전이다. 국내 미술사에서 중요한 작가임에도 불구하고 잊혀지고 있는 상황속에서 두 갤러리가 사명감을 갖고 준비한 전시다. 갤러리 웅에서는 추상회화, 갤러리 라온에서는 드로잉 종이 작품들(Works on paper)을 선보인다. 웅갤러리 최웅철 대표는 "2곳의 전시 구성을 통해 추상화가 하인두의 자유로운 생각과 창작의 방향과 작품 양식의 발전과정, 작가의 독창적인 예술세계를 엿볼 수 있을 것"이라고 밝혔다. 개막일인 7일 웅갤러리에서 심포지엄도 열려 하인두 화백의 삶과 예술세계를 학술적으로 조명한다. 하인두는 경남 창녕 출신으로 서울대 미대를 졸업(1954) 한 후에, 김창렬, 박서보 등과 더불어 한국적 앵포르멜 및 추상 표현주의 화풍의 개척에 기여했다. 한국의 전통과 불교 사상을 기조로 한 비정형의 추상을 선보이며 한국적인 추상화를 실현했다. 당시 유럽에서 유입된 앵포르멜의 영향을 받았으나 작업에 내포된 근본적인 정신은 ‘전통’에서 찾고자 했던 하인두는 추상 회화 속에 불교의 원리를 담아내고자 했다. 하지만 동료들이 해외로 미술세계를 넓혀나갈때 그는 좌절했다. 60년대 이북에서 내려온 친구를 신고하지 않고 재웠다는 이유로 걸린 보안법때문이었다. '국가보안법상 불고지죄'로 큰 곤역을 치르면서, 삶과 인생, 생명과 존재에 대해 깊은 성찰을 하면서 작품도 변화했다. 불교의 탱화 중 하나인 ‘만다라’의 기하학적인 형태와 우주의 흐름과 그 안에 본질을 깨닫고자 하는 불교 사상은 하인두 작업의 주요한 기반을 이룬다. 그는 오방색 뿐 아니라 단청에서 나타나는 조형 효과나 색채 등, 전통적인 기법을 작업에 적용하여 한국적인 추상화풍을 완성했다. 1980년대에 '피안(彼岸)', '밀문(密門)', '묘환(妙環)', '만다라(曼茶羅)' 등 종교를 통한 삶과 우주체계를 독창적으로 개척한 작품들이 제작됐다. 동양의 정신세계를 상징하는 도상안에 잠재된 무한한 추상성에 주목했다. '역동의 빛', '생의 환희', '태양의 상'을 통해 삶의 의지와 기쁨을 노래했고 마지막 시리즈인 '혼(魂)-불빛의 회오리'를 통해 예술의 정점에 올랐다는 평가를 받았다. 전시는 11월6일까지. 2021/10/07

'걷는 사람' 줄리안 오피 "이번엔 닭·사슴·건물과 함께 걸어요" “호기심과 놀라움을 선사하고 싶다.” 일명 '걷는 사람'으로 유명한 영국 대표 현대미술작가 줄리안 오피가 7년만에 서울에서 개인전을 연다.2014년 이후 국제갤러리에서 세번째는 열리는 이번 전시는 가장 대규모로 선보인다. 국제갤러리 K2, K3 전시장을 비롯해 정원을 아우르는 다양한 공간에 30여 점을 공개했다. 건물, 사람, 동물 형태의 평면 및 조각 작품을 갤러리 공간에서 함께 체험할 수 있게 꾸몄다. 이번 전시에서도 작가는 다채로운 매체와 기술의 조합을 통해 현대 도시에서 차용한 시각적 언어를 보여준다. 작품은 보기에 쉽다. 작가는 단순하게 축약된 이미지로 세계적인 명성을 얻었다. 한눈에 바로 인식할 수 있는 사람, 동물, 건물, 풍경과 같은 일상적이고 보편적인 주제를 단순화된 현대적인 이미지로 그려낸다. 그의 관찰로 재해석된 세상의 이미지들은 고대와 최첨단을 넘나들며 다양한 매체와 기법을 통해 현실로 구현된다. 작가는 고대 초상화, 이집트의 상형문자, 일본의 목판화뿐 아니라 공공 및 교통 표지판, 각종 안내판, 공항 LED 전광판 등에서도 두루 영감을 받는다고 했다. 이번 전시에는 그동안 사람 형상과 함께 집중해온 동물 작품이 특별히 제작됐다. 사람을 모티프로 한 작업만큼 다양한 크기와 형태, 색으로 구성되어 있는 생동감 넘치는 흥미로운 작업이다. 사슴, 수탉, 소, 강아지 등 일상적으로 접할 수 있는 동물의 이미지는 친근한 대상에서 상징적 부호로 거듭난 분위기다. 여기에 산업적 환경을 연상시키는 인공적인 원색을 적용해 독창성을 더욱 잘 보여주고 있다. 덕분에 전시장 벽을 장식하는 밝은 라이트 박스에 새겨진 동물 소재의 회화 작품들은 도시를 구성하는 표지판이나 브랜드 로고 혹은 광고를 연상시키기도 한다. K2의 1층 전시장은 도시의 사람들이 들어섰다. 작가는 런던의 동쪽에 위치한 작업실 근처에서 겨울옷으로 무장한 채 길을 헤쳐 나가는 낯선 이들의 모습을 포착, 이들의 존재를 LED를 사용한 영상, 라이트 박스, 알루미늄 조각 작품으로 표현했다. 2층 전시장의 선명하고 강렬한 색감과는 반대로 해당 공간에서는 작품 속 개인의 옷, 머리카락, 그리고 피부 톤에서 따온 자연스러운 색감으로 구성된 팔레트가 펼쳐진다. 기존의 잘 알려진 원색이 아닌 톤 다운된 차분한 색감으로, 특히 검은 배경에서 빛이 드로잉을 투과할 때 각 선이 가진 색은 더욱 강조되면서 입체감까지 드러난다. K3 공간에서는 도시 행인들의 존재와 함께 건축 조각이 만들어내는 일종의 가상 도시가 펼쳐진다. 펜데믹 상황으로 이동이 자유롭지 못한 와중에 벨기에의 크노케(Knokke)에 방문한 작가의 경험이 담겼다. "런던에 머물면서 도시의 현대적 그리고 역사적 건물을 새삼 눈여겨보게 되었고, 이들을 입체적인 금속 조각으로 재해석했다." 런던 중앙부 구시가지의 건물들로 형성된 2점의 설치물은 각각 4m 규모로, 실물 크기의 인물 조각과 전시장 내에서 조화를 이루며 공간이라는 주제에 대한 작가의 오랜 고민과 탐구를 뒷받침한다. 장기간 지속되는 코로나19 상황은 작가의 작업 방식을 바꾸어 놓았다. 작가는 물리적인 여행 대신 가상의 3D 구글 지도를 통해 인천을 둘러보았고, 전시작 중 하나인 '인천, 타워 2208. (Incheon, Tower 2208.)'의 단서를 얻었다. 인천에 위치한 무명의 건물은 특유의 직선적이며 기하학적 선으로 탄생되어 정원에 놓였다. 건물 사이를 걸으면 도시 풍경속 작품에 있는 듯한 분위기를 전한다. “항상 주어진 공간으로 무엇을 할 수 있을지, 관객이 흥미롭게 작품을 경험하도록 어떻게 조율할지를 고민한다”는 줄리안 오피는 "이번 전시를 위해 3D 가상공간에 작품을 배치하고 VR 고글을 낀 채 가상의 전시장을 직접 둘러보는 방식을 거듭하며 동선을 섬세하게 기획하고 구성했다"고 전했다. 대규모 설치작부터 작은 크기의 평면 작품까지 여러 표정으로 꾸려진 이번 전시는 줄리안 오피의 미니멀리즘적 시각을 경쾌하게 감상할수 있다. 전시는 11월28일까지. ◆줄리안 오피는 누구? 1958년 영국 런던에서 태어난 줄리안 오피는 1982년 골드스미스 대학 졸업 후 현재까지 런던을 기반으로 활동하고 있다. 영국 포르투갈 일본 호주 중국등 전세계 유수의 미술관에서 개인전을 개최했다. 작가의 작품은 영국 런던의 테이트 모던, 영국 박물관, 빅토리아 알버트 미술관, 국립 초상화 미술관을 비롯, 뉴욕 현대미술관(MoMA), 보스턴 ICA 미술관, 도쿄 국립현대미술관, 예루살렘 이스라엘 박물관 등 세계 주요 기관에 소장되어 있다. 2021/10/07

엉성한 픽셀 이미지가 51억?…라바랩, '크립토펑크' 인기 NFT(대체불가토큰) 작품이 전통미술을 또다시 따돌리고 있다. 미국 개발업체 라바랩스(LARVA LABS)의 ‘크립토펑크 9997’이 3385만 홍콩달러에 팔렸다. 한화로 약 51억4000만원. 7억~10억원에 책정된 추정가보다 약 5배 높은 금액이다. 세계적 미술품 경매회사 크리스티는 지난 17~28일 홍콩 온라인 경매에 NFT 작품 14점이 출품돼 모두 팔렸다고 밝혔다. 구매 수수료 포함 낙찰총액은 9599만 홍콩달러(한화 약 146억 원)다. 이번 경매는 크리스티가 아시아에서 처음으로 진행한 NFT 경매다. 경매 응찰 고객 168 명으로 65%가 신규 고객으로 주목된다. 주요 구매 지역은 홍콩, 미국, 스위스, 대만 등이었다. 재키 호(Jacky Ho), 크리스티 아시아 20 세기 및 21 세기 미술, 이브닝 세일 헤드는 "크리스티는 NFT 경매 및 아시아 온라인 경매 분야에서 수많은 기록을 세운 이번 경매로 다시한번 신기록을 썼다"며 "크리스티의 글로벌 NFT 경매가 낙찰 총액 1 억 달러를 넘는데 기여했다"고 자부심을 드러냈다. 현재까지 글로벌 크리스티에서 달성한 NFT 누적 낙찰 총액은 1 억 미국달러(한화 약 1188 억 원) 이상으로 추산된다. 한화 약 51억에 팔린 ‘크립토펑크 9997’은 픽셀로 이뤄진 단순한 아바타 이미지다. 엉성한 눈·코·입으로 이뤄진 초록 얼굴로 ‘크립토펑크'는 최근 NFT 미술품 시장에서 큰 인기를 끌고 있다. 이날 '크립토펑크 819'은 한화 약 2 억 4000만~3 억 7000만 원에 나와 한화 약 13억 5000만 원에 낙찰됐다. NFT는 블록체인의 토큰을 다른 토큰으로 대체하는 것이 불가능한 가상자산을 일컫는다. 별도의 고유한 인식 값을 담고 있어 서로 교환할 수 없다. 한편 NFT 작품은 지난 3월 뉴욕 크리스티 경매에서 비플의 디지털 아티스트 '매일: 첫 5000일(Everydays: The First 5000 Days)'. 5000개 이상의 jpeg이미지를 모은 작품이 약 6930만 달러(한화 약 771억원)에 낙찰되어 전 세계적으로 NTF 작품 열풍을 이끌었다. 2021/09/30