여전히 이우환, 낙찰률 82%…3/4분기 45억원어치 팔려 코로나 시대, 그림 경매도 주춤세다. 지난해와 달리 경매사들의 낙찰률은 하락했지만, 국민화가·블루칩 작가들은 여전히 상승세다.낙찰총액 1위는 45억3000만원어치가 팔린 이우환 작가가 차지한 것으로 나타났다. 올해 미술품 경매사 3분기 낙찰총액은 약 348억 4700만원. 총 출품된 7574점 중에 4431점이 팔려 낙찰률은 58.5%로 기록됐다. 사단법인 한국미술시가감정협회(이사장 김영석)가 올해 3/4분기 국내 미술품 경매시장을 분석한 결과다.국내 8개 경매사(서울옥션, K옥션, 아트데이옥션, 아이옥션, 에이옥션, 마이아트옥션, 칸옥션, 꼬모옥션) 경매를 조사 집계했다. 통계에 따르면 3분기의 대세는 이우환(84) 화백이다. 작가별 낙찰총액을 비교했을 때 이우환은 약 45.3억원을 기록했다. 3위인 김환기의 22.4억원을 2배 이상, 5위인 이중섭의 11억원을 4배 이상 추월하며 강력한 존재감을 과시했다. ◇이우환 낙찰룰 82%, 낙찰총액 45.3억원 1위...2위 김창열 이우환 작품은 출품, 낙찰 작품수량, 낙찰률에서도 기존의 블루칩 작가들을 압도했다. 이우환의 낙찰률은 82%로, 김환기(52%), 이중섭(66.7%), 박수근(69.2%)을 월등히 제치고 있다. 낙찰총액 10순위를 살펴보면 생존작가가 4명(1위 이우환, 4위 김창열, 6위 박서보, 7위 정상화)이다. 20순위까지 확대하면 김종학(14위), 오치균(15위), 이왈종(16위), 하종현(19위), 이건용(20위) 등 5명이 더 늘었다. 생존작가 중 1위 이우환(약45.3억원)과 2위 김창열(약11.3억원), 3위 박서보(약9.8억원)…8위 하종현(약2.5억원) 등과는 확연하게 비교됐다. ‘지금은 이우환 시대’라는 말을 증명하는 셈이다. ◇해외 작가는 쿠사마 야요이 전체 2위 국내에서 가장 인기인 쿠사마 야요이가 낙찰총액 33.9억원으로 전체 순위 2위를 차지하며 건재함을 과시했다. 올해 3분기는 서울옥션 홍콩 경매에 출품된 쿠사마 야요이를 제외하곤 주목받는 해외 작가가 없다. 한국미술시가감정협회 김영석 이사장은 “외국 작품을 소장한 국내 컬렉터가 적지 않은 것으로 알고 있다. 하지만 코로나19로 인해 홍콩을 비롯한 해외 경매시장에 출품하지 못한 작품을 내수시장에 내놓는 사례는 거의 없다. 내수시장의 발전과 다양성을 위해 이런 부분에 대한 세밀한 분석도 진행되어야 할 것”이라고 전했다. ◇작품별 최고 낙찰가...쿠사마 야요이-이우환 順 작품별 최고 낙찰가 순위를 살펴보면 서울옥션 홍콩경매에 출품된 쿠사마 야요이의 27.9억원이 1위였다.(7월16일 서울옥션 홍콩경매는 코로나19로 인해 서울의 강남사옥에서 진행했다.) 국내 작가의 경우 3위 이우환(15.2억ㆍK옥션 7월15일), 4위 김환기(14억ㆍ서울옥션 9월22일), 5위 이중섭(11억ㆍ서울옥션ㆍ9월22) 등으로 나타났다. 2위는 20억에 낙찰돤 5m 병풍 '요지연도'다 최고 낙찰가 기준 20순위 안에서는 역시 이우환이 4점을 포함시켜 3점의 김환기를 앞섰다. ◇2016년부터 5년간 3분기 경매 낙찰 총액 올해가 가장 높아 지난 2016년부터 5년간 각각의 3분기 경매결과를 비교해보면 낙찰총액 면에서는 올해가 가장 높게 나타났다. 또한 출품작품이나 낙찰작품에서도 예년에 비해 높은 수준이었다. 반면 낙찰률은 58.5%로 가장 낮은 수치였다. 경매에 출품된 수량은 늘어났는데, 낙찰률이 낮다는 것은 ‘팔고 싶은 사람은 많은데, 살 수 있는 사람은 적다’는 말이나 마찬가지다. 그만큼 미술시장의 내수 경기가 좋지 않다는 뜻이기도 하다. 결론적으로 2020년 3분기로만 본 단편적인 국내 미술경기는 ‘단색화 열기’가 확연하게 줄었다는 점과 ‘포스트 김환기’로 이우환의 대세론을 재확인할 수 있었다는 점이 주목됐다. 또한 마이아트옥션의 '요지연도'(20억원ㆍ9월23일)처럼 작품의 질적 수준과 매력적인 스토리텔링만 뒷받침 된다면 국내의 전통미술품도 충분히 제 평가를 받을 수 있다는 점도 눈여겨 볼만 하겠다. 김영석 이사장은 “코비드 여파는 당분간 지속될 것이고 일상생활화 될 것이다. 미술품 유통시장도 그 어느 때보다 언택트 시대에 살아남을 수 있는 새로운 시스템을 재구축해야 할 때이다. 이를 위해 정부와 미술계나 수요자 등의 여러 구성원이 머리를 맞대고 자생력을 갖춘 미술 생태계를 고민하는데 최선의 노력을 기울여야겠다”고 강조했다. 2020/09/30

박수근, 호당가격 2억4000만원 1위...김환기보다 7배↑ 뉴시스는 미술품의 투명한 유통 거래를 위해 국내 블루칩 작가 5순위의 각 작가별 최고가 작품을, 같은 크기와 시리즈별로 비교 분석해 작품가격을 매주 소개한다. 뉴시스 작품가격 사이트인 K-Artprice는 (사)한국미술시가감정협회(이사장 김영석)와 함께 2019년 국내 미술품 경매사 낙찰총액 기준 상위 5순위 작가의 작품가격 변동 추이를 살펴봤다. (▲1위 김환기(250억원), ▲2위 이우환(134억원), ▲3위 박수근(60억원), ▲4위박서보( 45억8000만원), ▲5위 김창열(28억3000만원)순이다.) 작품가격 지수는 국내 경매시장이 활성화된 지난 2005년부터 2019년까지 15년간 낙찰가를 분석했다. 국내 8개 경매회사에서 거래된 작품 가격을 종합했다. 여기에 'KYS미술품가격지수'를 적용한 결과, 낙찰총액 순위와 달리 작품가격지수는 뒤집어졌다. 1위는 박서보(712.34), 2위는 김환기(268.27), 3위는 김창열(264.25), 4위는 이우환(263.06), 5위는 박수근(85.3) 순으로 집계됐다. 'KYS 미술품가격지수'는 비교 기간의 시작점(2005년) 기준을 100으로 정해, 2019년 현재 시점과 비교한 작품가격의 변동 폭을 분석한다. 712.24인 박서보의 가격지수는 지난 15년간 7.12배, 2위 김환기의 268.27 지수는 2.6배 올랐다는 것을 의미한다. 이같은 가격지수는 동일한 재료로 비슷한 주제를 그린 10호 크기 작품을 기준으로 호가(미술품 거래 최소 단위)를 산정한 것이다. 경매시장에서 가장 선호 받은 ‘주제-바탕재료-크기’ 등 작품의 특성까지 고려한 작품 가격 평균지수라는 점에서 시장 경쟁력까지 가늠해볼 수 있다 1위 박서보, 2위 김환기에 이어 3위 김창열. 4위 이우환에 이어 5위 박수근(85.3)의 인기 작품가격을 공개한다.<편집자주> ◆호당가격 2억4000만원 1위...위작 사태후 매물 줄어 박수근은 국내 미술품 경매시장에서 호(號)당 가격이 가장 높은 작가다. 한국미술시가감정협회가 지난해 국내 미술품 경매를 분석한 결과에 따르면 박수근 작품 호당 가격은 약 2억4000만원으로 국내 작가 중 1위였다. 국내 작가중 가장 비싼 작가인 김환기(약 3500만원)보다 7배가 높은 호당 가격 1위 작가로 기록됐다. 호당 가격은 인물화 기준으로 1호는 22.7×15.8㎝ 크기를 말한다. 그림 가격이 반드시 크기에 비례하지는 않지만, 현재 국내미술시장에서 일반적으로 작품 가격 책정 기준으로 작용하고 있다. 박수근(1914~1965)은 '국민화가'라는 명성에 걸맞게 수십 년간 최고의 작품 가격을 꾸준히 지켜왔다. 호당가격은 높지만, 경매시장에서 출품작은 많지않다. 2006~2007년 최대 호황기를 누리면서 위작 사태가 터지면서 매물이 줄어들었다. 2019년 경매시장에 출품된 작품도 낙찰총액 상위 5작가 중 41점으로 가장 적다. 주로 낙찰 총액과 호당 가격을 비교 분석하여 지수를 발표한 다른 작가들과 달리 박수근은 동일 주제의 1호 크기 작품가격을 연도별로 분석했다. 이 같은 결과에 따르면 2006년 약 4억3000만원에 거래되었지만 2019년 3억7000만원에 거래되어 85.3의 가격지수를 나타냈다. 2006년을 100으로 기준하였을 때 2019년의 가격이 그때보다 14.7% 하락했다는 것을 나타내 마이너스 성장을 기록했다. ◆ '같은 크기 판매가격’ 기준 시리즈별 가격 보합세 박수근의 ‘인물ㆍ풍경’을 다룬 1호 작품 가격은 2007년 정점을 찍었다. 약 5억 5000만원에 거래된 적도 있지만 점차 가격이 내려가고 있다. 가격의 하향세는 일시적 현상이 아니라, 몇 해간 반복적으로 지속되고 있는 모양새다. 호당 작품가격은 여전히 최고가를 유지하고 있지만 거래의 수익 면에 있어서는 2000년대 중반의 호황기와는 다른 국면에 접어들어 있음을 잘 나타낸다고 할 수 있다. 크기가 큰 작품들의 거래가 활발하여 장을 이끌면 작은 작품의 가격도 상승될 가능성은 언제든지 발생될 수 있어 속단은 아직 이르다고 할 수 있다. 2006년에 최고가를 기록한 10호 크기의 작품은 '귀로'로 4억9500만원에 낙찰됐고, 같은 유사 크기의 2019년 최고가 작품은 '창신동 풍경'으로 5억원에 팔렸다. 13년의 세월이 지났지만 가격은 크게 오르지 않고 미세한 보합세가 유지되고 있다. 박수근의 최고 낙찰가는 지난해 10월 서울옥션 홍콩 경매에서 23억원에 낙찰된 ‘공기놀이하는 아이들’(43.3×65㎝)이다. 1960년대 초반에 그린 유화로, 박수근 특징이 함축된 희귀 작품이라는 평가를 받고 있다. 2009년 4월 서울옥션 부산경매에서 20억원에 팔린후 10년 만에 다시 경매시장애 25억에 나왔지만 23억에 새 주인을 찾았다. 박수근의 자세한 작품가격은 뉴시스가 지난해 국내 언론 최초로 개발한 작품가격 사이트인 'K-Artprice(k)'에서 확인할 수 있다. 'K-Artprice()'는 국내 경매사에서 활발하게 거래되는 국내외 주요작가 200명의 작품가격을 제공한다. 작가당 5년간 거래 이력이 담긴 2만2400점의 가격을 한 눈에 파악 할 수 있다. 2020/05/19

이우환 작품가격 호당 1475만원...'바람' 3.9배 올라 뉴시스는 미술품의 투명한 유통 거래를 위해 국내 블루칩 작가 5순위의 각 작가별 최고가 작품을, 같은 크기와 시리즈별로 비교 분석해 작품가격을 매주 소개한다. 뉴시스 작품가격 사이트인 K-Artprice는 (사)한국미술시가감정협회(이사장 김영석)와 함께 2019년 국내 미술품 경매사 낙찰총액 기준 상위 5순위 작가의 작품가격 변동 추이를 살펴봤다. (▲1위 김환기(250억원), ▲2위 이우환(134억원), ▲3위 박수근(60억원), ▲4위박서보( 45억8000만원), ▲5위 김창열(28억3000만원)순이다.) 작품가격 지수는 국내 경매시장이 활성화된 지난 2005년부터 2019년까지 15년간 낙찰가를 분석했다. 국내 8개 경매회사에서 거래된 작품 가격을 종합했다.여기에 'KYS미술품가격지수'를 적용한 결과, 낙찰총액 순위와 달리 작품가격지수는 뒤집어졌다. 1위는 박서보(712.34), 2위는 김환기(268.27), 3위는 김창열(264.25), 4위는 이우환(263.06), 5위는 박수근(85.3) 순으로 집계됐다. 'KYS 미술품가격지수'는 비교 기간의 시작점(2005년) 기준을 100으로 정해, 2019년 현재 시점과 비교한 작품가격의 변동 폭을 분석한다. 712.24로 1위인 박서보의 가격지수는 지난 15년간 7.12배, 2위 김환기의 268.27 지수는 2.6배 올랐다는 것을 의미한다. 이같은 가격지수는 동일한 재료로 비슷한 주제를 그린 10호 크기 작품을 기준으로 호가(미술품 거래 최소 단위)를 산정한 것이다. 경매시장에서 가장 선호 받은 ‘주제-바탕재료-크기’ 등 작품의 특성까지 고려한 작품 가격 평균지수라는 점에서 시장 경쟁력까지 가늠해볼 수 있다. 1위 박서보, 2위 김환기, 3위 김창열에 이어 4위인 이우환(263.06)의 인기 작품 가격을 공개한다.<편집자주> ◆'한국 추상미술 거장' 이우환(84)= 2019년 호당가격은 1475만원. 국내 생존 작가중 가장 비싼 작가다. 지난 5년간 '바람 시리즈'가 최고가를 경신하며 상승세다. 김환기에 이어 낙찰총액 2위에 올라있다. 이우환의 최고가 작품은 16억6100만원에 팔린 1990년 제작된 '바람과 함께(With Winds)'로, 2017년 3월 서울옥션 홍콩경매에서 낙찰됐다. 가로지르는 붓질과 파묵의 효과가 바람의 자유로움을 극대화하여 '바람 시리즈'의 완성형으로 평가 받는 작품 중 하나로 꼽힌다. 이우환의 작품은 점(From point)과 선(From Line)도 인기지만, '바람(With Winds)'이 강세다. 이전 점과 라인이 주로 팔렸지만, 2016년 위작 사태가 터지면서 '따라 그리기 어렵다'는 '바람 시리즈'로 컬렉터들이 눈길을 돌리면서다. 이우환 작품은 2005~2006년까지 거래가 활발하지 않다가 2007년을 기점으로 폭발적인 판매고가 이뤄졌다. 2007년 이탈리아 베니스 팔라조 팔룸보 포사티(Palazzo Palumbo Posatti)의 전시(6.8-11.21)를 통한 해외 인지도가 크게 작용했다.우리나라의 화가로는 유일하게 제52회 ‘베니스비엔날레 협력전’에 초대받았고, 당시 현지 언론도 ‘가장 눈여겨 볼만한 전시’로 주목했다. 이 전시를 통해 일본 나오시마의 이우환미술관 건립(2010.6.15)이 추진되었고, 미국 뉴욕 구겐하임미술관과의 전시(2011.6.24.-9.28)가 논의되면서 세계 미술시장에도 부상했다. 이후 한국의 단색화 붐과 함께 부각되어 해외서 러브콜이 이어졌다. 2019년 프랑스 퐁피두센터의 메츠와 상하이 분관 전시를 비롯해 뉴욕 디아비콘미술관에서의 ‘관계항’ 전시, 워싱톤DC 허시혼박물관의 야외 전관에서의 전시 등 세계적인 미술관과 갤러리의 초대로 작품 판매 또한 중흥기를 맞게 되었다. ▲이우환 가격 지수는 263.06. 평균 2.6배 증가 이우환의 작품 주제는 점, 선, 바람, 조응 시리즈로 구분된다. 2013년대까지는 구작인 '점'과 '선'시리즈가 상대적으로 신작인 '조응' 시리즈에 비해 월등하게 높은 가격대를 형성했지만, 점차 '바람' 시리즈와 '조응' 시리즈가 상승세를 보였다. 2006년 기준으로, 작품가격을 비교해보니 2019년 가격지수는 263.06. 지난 13년간 평균 2.6배 올랐다. 가장 인기 작품-크기인 '점' 시리즈(8호)는 3.6배, '선' 시리즈(30호)는 1.9배, '바람'시리즈(100호)는 3.9배, '조응' 시리즈(100호)는 1.1배가량 가격이 뛰었다. 이우환의 작품가격을 주제별로 비교한 결과, 8호 '점' 시리즈의 경우 2006년의 평균 낙찰가격이 5000만원에 불과했지만, 2007년 3억3000만원으로 상승한 후 하향 보합세가 진행됐다. 2015년에는 1억8000만원에 거래되기도 했다. ‘선’ 시리즈의 경우 2006년에 비해 2019년에는 1.88배 상승했다. ‘바람’ 시리즈와 ‘조응’ 시리즈의 가격 상승 폭은 2007년 가파르게 오른 후 하락하다가, 최근 3~4년간 상승세를 유지하고 있다. 2016년 진위 논란의 여파가 남아있음에도 시장에서의 가격 기반은 매우 견고하다는 사실을 확인할 수 있다. 특히 30호 크기 ‘선’ 시리즈 가격이 100호 크기의 ‘바람’과 ‘조응’ 시리즈보다 월등히 높은 가격에 형성되어 있어 작품 주제가 가격에 미치는 영향이 막대하다는 것을 입증했다. ▲기준 연도 최고가 VS 최근 거래된 작품 최고가 작품 비교 이우환의 비교적 작은 크기의 작품이라 할 수 있는 8호 '점'시리즈 'From point'는 2006년에 3500만원에서 6500만원 사이에 거래되었지만 2007년에는 3억3000만원까지 가격이 급등했다. 전반적인 상승 곡선을 그리는 30호 크기 '선' 시리즈의 경우 2006년 최고가는 3억 2000만원이었자만, 2019년에는 6억원에 거래되어 1.88배의 가격 상승곡선을 보였다. 2016년 이후 꾸준한 상승보합세를 이어가는 '바람'시리즈는 2006년 최고가 작품은 'With Winds'로 1억 3000만원이었고, 2019년 최고가는 3억 4000만원에 거래되며 2.6배의 가격차를 나타냈다. 100호 크기의 '조응' 시리즈의 경우 2007년 최고 낙찰가는 4억 6000만원, 2019년의 최고가는 4억 8000만원으로, 10년이 지났음에도 작품가격은 보합세를 보였다. 미술시장에서 이우환의 작품 크기는 100호와 150호를 가장 선호하는것으로 나타났다. 작가의 지난 5년간 최고가 10순위를 살펴보면 150호가 5건(1·4·5·7·8위), 100호가 2건(2·3위) 등 대부분을 차지한다. 그 외에 2016년에 나란히 40호(9위)와 80호(10위)는 선(From Line)시리즈라는 점에서, 완성도 높은 100호 이상의 대형 '선 시리즈' 작품이 출품될 경우 또 한 번의 최고가 낙찰기록을 세울 것이라는 전망이다. 이우환의 더욱 많은 작품 가격은 뉴시스가 국내 언론 최초로 개발한 작품가격 사이트인 'K-Artprice()'에서 확인할 수 있다. 'K-Artprice(k-artprice.newsis.com)'는 국내 경매사에서 활발하게 거래되는 국내외 주요작가 200명의 작품가격을 제공한다. 작가당 5년간 거래 이력이 담긴 2만2400점의 가격을 한 눈에 파악 할 수 있다. 2020/05/12

15년간 작품가격 분석해보니...김창열, 호당 230만원 2.64배↑ 뉴시스는 미술품의 투명한 유통 거래를 위해 국내 블루칩 작가 5순위의 각 작가별 최고가 작품을, 같은 크기와 시리즈별로 비교 분석해 작품가격을 매주 소개한다. 뉴시스 작품가격 사이트인 K-Artprice는 (사)한국미술시가감정협회(이사장 김영석)와 함께 2019년 국내 미술품 경매사 낙찰총액 기준 상위 5순위 작가의 작품가격 변동 추이를 살펴봤다. (▲1위 김환기(250억원), ▲2위 이우환(134억원), ▲3위 박수근(60억원), ▲4위박서보( 45억8000만원), ▲5위 김창열(28억3000만원)순이다.) 작품가격 지수는 국내 경매시장이 활성화된 지난 2005년부터 2019년까지 15년간 낙찰가를 분석했다. 국내 8개 경매회사에서 거래된 작품 가격을 종합했다.여기에 'KYS미술품가격지수'를 적용한 결과, 낙찰총액 순위와 달리 작품가격지수는 뒤집어졌다. 1위는 박서보(712.34), 2위는 김환기(268.27), 3위는 김창열(264.25), 4위는 이우환(263.06), 5위는 박수근(85.3) 순으로 집계됐다. 'KYS 미술품가격지수'는 비교 기간의 시작점(2005년) 기준을 100으로 정해, 2019년 현재 시점과 비교한 작품가격의 변동 폭을 분석한다. 712.24인 박서보의 가격지수는 지난 15년간 7.12배, 2위 김환기의 268.27 지수는 2.6배 올랐다는 것을 의미한다. 이같은 가격지수는 동일한 재료로 비슷한 주제를 그린 10호 크기 작품을 기준으로 호가(미술품 거래 최소 단위)를 산정한 것이다. 경매시장에서 가장 선호 받은 ‘주제-바탕재료-크기’ 등 작품의 특성까지 고려한 작품 가격 평균지수라는 점에서 시장 경쟁력까지 가늠해볼 수 있다. 지난주 1위 박서보, 2위 김환기에 이어 3위 김창열의 인기 작품가격을 공개한다.<편집자주> ▲김창열(91)화백= '물방울 화가'로 유명하다. 1970년대부터 한국과 프랑스를 오가며 유럽중심의 국제무대에서 지속적인 활동을 펼쳐왔다. 프랑스 마굿간에서 생활하던 시기, 마포에 물방울을 그리기 시작한 것이 신의 한수가 됐다. 1972년 파리 근교 마구간에서 살았을때다. 화장실이 없어 밖에서 물통을 만들어놓고 세수를 했다. 어느 날 아침, 세수하려고 대야에 물을 담다 옆에 뒤집어둔 캔버스에 물방울이 튀었다. 아침 햇살에 영롱하게 빛나던 물방울. "이거다 싶었다" 그렇게 만난 물방울은 찰나적인 것과 영원한 것의 화두가 되어 평생 물방울을 그렸고, 물방울 화가가 됐다. ▲김창열 작품 가격= 1970년대 중후반 작품이 절대적인 강세다. 최고가 10순위 중 9점이 모두 70년대 중후반 작품으로, 특히 76~79년 작품 선호도가 높다. 현재 김창열의 최고가 작품은 5억1282만원에 낙찰된 1973년에 그린 '물방울(195×123cm)로 2016년 3월 K옥션 홍콩경매에서 팔렸다. 물방울 그림은 1983년을 기점으로 작품의 핵심을 이루는 물방울과 문자 구성의 변화가 시작된다. 1990년대부터는 작품에 ‘회귀'라는 표제어를 붙이며 캔버스 위에 천자문을 새기고 글자와 물방울을 병치하거나 중첩시키며 과거에서 미래까지의 시공간을 한 폭에 담기 시작했다. 작품의 분류를 1983년 이전과 이후, 물방울의 다소(多少), 문자와의 병치 등 5가지로 구분하여 나눌 수 있고, 작품가격 또한 이러한 분류에 따라 다르게 형성되어 있다. 그 동안의 낙찰가를 분석한 결과 1983년 이전에 그린 물방울이 많은 작품이 큰 선호를 받으며 가장 높은 가격대를 형성하고 있다. ▲인기 크기 20호· 100호 가격 지수= 1983년 이전의 '물방울(多) 20호'의 가격지수는 279.95, 1983년 이전-물방울(少) 20호의 가격지수는 414.29이다.'1983년 이후-물방울(多) 20호'는 247.62, '1983년 이후-문자 100호'는 219로 집계됐다. 따라서 2019년 평균 가격지수는 264.25로서 약 2.64배의 가격 상승을 나타냈다. 김창열은 2006년 갤러리현대에서 열린 김창열ㆍ김환기ㆍ이우환 3인전과 2007년 개인전을 통해 얻게 된 유명세와 그 즈음에 형성된 한국 미술시장의 갑작스런 팽창기가 맞물리며 한국 현대미술을 대표하는 작가로 부상되었다. ‘1983년 이전-물방울(多) 20호’ 작품은 2006년에는 3750만원에 거래되었지만 2019년에는 약 1억 500만원에 거래되어 2.8배 상승되었다. 2014년에는 약 2억원까지 치솟기도 하였지만 지금은 하향 조정되어 1억원을 상회하는 가격에 거래되고 있다. 작품의 가격 상승은 주로 1983년 이전-물방울(少) 20호 작품에서 변동폭이 크다. 2006년 3500만원 거래되던 작품은 2018년 1억4500만원에 낙찰되며 4.14배나 올랐다. 이어 '1983년 이후-문자 100호'는 2.19배, 1983년 이후-물방울(多) 20호는 2.48배, 83년 이후-물방울(少) 10호는 1.6배 상승했다. 김창열의 작품가격 분석결과 '1983년 이전-물방울 20호' 작품이 그 이후 작품가격보다 훨씬 비싸게 낙찰되었다. 1983년 이전-물방울(多)20호의 작품 중에 2006년의 최고가 작품은 'P.A.S.81016'로 4200만원, 2019년에는 '물방울 No.11' 작품이 1억7000만원에 거래되었다. 물방울의 수에 따라 가격차가 완연함을 확인할 수 있다. 1983년 이전-물방울(少) 20호 크기의 두 작품은 거의 유사한 물방울이 배치되어 있고, 같은 해에 그려졌지만 2006년 서울옥션 거래에서는 3500만원, 2018년 K옥션 경매에서는 1억 4500만원에 낙찰되며, 4.14배 상승된 기록을 세웠다. 1983년 이후-문자 100호 작품 중에 2005년 서울옥션에서 거래된 '회귀'는 2600만원, 2019년 서울 옥션 홍콩경매에서 다른 '회귀(Recurrence)' 작품이 약 6500만원에 낙찰돼 2.5배의 가격차를 나타냈다. 1983년 이후-물방울(多) 20호의 '물방울'은 2006년 2100만원, 또 다른 '물방울 PA85009'은 2019년 540만원에 거래되었다. 김창열 작품가격은 제작 시기와 물방울 상태에 따라 가격 편차도 달라지는 것으로 분석됐다. 호당 가격은 230만원이지만, 제작 기법으로는 시즌별 성격 구분이 되지만, 작품가격은 연도별로 차등이 심한 편이다. 미술시장에선 100호 기준, 제작년도에 따라 10배 이상의 큰 폭으로 차이난다. 현재 70년대 중후반 6억~8억선, 80년대 이후 7000만~1억선이다. 물방울이 줄고 여백이 늘어난 2010년 이후는 7000만~8000만원에 형성되어 있다. 2000년 전후의 ‘한자’시리즈는 시장에서 선호도가 낮은 편으로 집계됐다. 김창열의 자세한 작품가격은 뉴시스가 지난해 국내 언론 최초로 개발한 작품가격 사이트인 'K-Artprice()'에서 확인할 수 있다. 'K-Artprice()'는 국내 경매사에서 활발하게 거래되는 국내외 주요작가 200명의 작품가격을 제공한다. 작가당 5년간 거래 이력이 담긴 2만2400점의 가격을 한 눈에 파악 할 수 있다. 2020/05/05

올 봄 국내 미술경매 5년새 최악...낙찰총액 70% 수준 국내 미술시장도 '코로나19' 직격탄을 맞았다. 올해 1분기 국내 경매시장 낙찰 총액이 5년전보다 70% 수준을 기록했다. 한국미술시가감정협회가 2일 '지난 5년간 1/4분기 미술품 경매의 낙찰총액만을 비교한 내용에 따르면, 올해 국내 미술품 오프라인 경매 낙찰총액은 약 173억원으로, 지난해(228억원)에 비해 반토막이 났다. 5년 전인 2016년(323억원)과 비교해도 71% 수준이다. 낙찰총액과 대비해 출품수와 낙찰수, 낙찰률도 크게 위축됐다. 올해 경매 출품수는 6145점으로, 2017년(6437점)과 2018년(6275점)과 비슷한 수준이지만 낙찰수와 낙찰률은 크게 낮아졌다. 반면 온라인 시장이 선전하고 있다. 올해 약 57억원으로 집계, 2018년(47억원) 2019년(51억원)보다 상승세다.실내 소비 경기에 주력할 수밖에 없는 코로나 사태의 영향과 무관하지 않다는 분석이다. '코로나 폭탄'을 맞은 건 국내 경매사의 해외 법인 부문이다. 홍콩 경매의 경우 지난해까지 낙찰총액이 꾸준히 늘어나는 추세를 보여 왔지만, 올해는 코로나 사태로 3월 경매를 진행하지 못했다. 이날 서울옥션 측은 “코로나 사태로 연기된 홍콩 경매를 17일 미국 온라인 플랫폼 아트시 홈페이지에서 온라인으로 진행한다”고 밝혔다. 한국미술시가감정협회는 "올해 1/4분기 경매 낙찰총액이 지난해의 약50%대 수준에 비해, 출품수가 많다는 점은 미술품의 환금성이 필요한 상황에 놓인 것"으로 해석했다. 실제로 올해 경매에서는 블루칩 인기작가의 작품도 유찰되는가 하면 추정가의 하한선에서 낙찰되고 있다. 서울옥션 케이옥션등 양대경매사가 지난 3월 치른 메이저 봄 경매 낙찰률은 60~67%로 1억선 미만 중저가 작품이 주로 낙찰됐다. 코로나 사태로 인한 경기 위축으로 큰 손들도 허리띠 졸라매기에 돌입했다는 신호다. 2020/04/02

김환기 250억 1위...2019국내 경매시장 낙찰총액 10순위(표) 2020/01/15

27세 요절한 '낙서화가 최고봉' 바스키아 “나는 한낱 인간이 아니다. 나는 전설이다” '낙서'를 '작품'으로 승화시킨 대표 화가 장 미쉘 바스키아(1960~1988)가 다시 부활했다. “나는 전설”이라고 했던 그의 말처럼 바스키아는 '현대미술 전설'이 됐다. 1988년, 만 27세라는 젊은 나이에 요절했지만 바스키아는 동시대에도 시각예술뿐만 아니라 패션 문화 아이콘으로 사랑받고 있다. 1980년대 초 미국 뉴욕 화단에 혜성처럼 나타난 바스키아는 생을 마감하기까지 8년동안 약 3000여 점의 작품을 남겼다. ◆왕관·저작권 기호©...낙서같은 그림 약 1380억원, 미국작가 최고 낙찰가 “내 어릴 적 꿈은 만화가였다.” 어릴적 그의 어머니는 바스키아를 데리고 뉴욕의 주요 미술관을 함께 다녔다. 그때 다빈치(Leonardo da Vinci)부터 피카소(Pablo Picasso)에 이르기까지 수많은 명화룰 감상하며 미술사에 입문했다. 그의 작품에 자주 등장하는 해부학적인 인체 모습과 내장 기관들, 강조된 팔과 다리의 형태는 7세 때 당했던 사고와 연관된다. 바스키아는 1968년 교통사고로 팔이 부러지고 내장을 심하게 다쳐 병원에 입원했다. 비장을 떼어내는 큰 수술로 장기간 병원에 머물렀던 바스키아는 어머니가 선물한 해부학 입문서 '그레이의 해부학 Gray’s Anatomy'을 보면서 해부학적 형상에 관심을 보였다. 이후 바스키아는 레오나르도 다빈치의 해부학 드로잉을 보면서 사고를 발전시켰고 이러한 지식은 그의 내면에 자리한 삶과 죽음에 대한 사유와 연결되면서 뼈와 해골, 신체 기관이 그대로 노출되는 독창적인 도상으로 나타난다. 바스키아 그림은 SAMO, 왕관, 저작권 기호©, 슈퍼맨에서 나온 알파벳 ‘S’, 공증인(Notary)을 의미하는 ‘NOTA’ 가 그려져있는게 특징이다. 위대함을 나타내는 도상들과 그가 존경했던 아프리카계 미국인 운동선수와 음악가들의 이미지를 결합해 새로운 방식의 초상화를 그려냈다. 한마디로 규정할 수 없는 바스키아의 예술세계는 쓰고 지우기를 반복하는 텍스트와 자유로운 드로잉이 만들어내는 이질적인 것들의 충돌에서 시작된다. 바스키아는 화면에 텍스트를 쓴 후 그 위에 선을 긋거나 덧칠을 해서 글자를 지워나간다. 가려진 문구들을 읽어내기 위해 더욱 집중해서 보게 만드는 바스키아의 지우기 전략은 그의 작품 전반에 걸쳐 나타난다. 무의식적으로 포착된 단어들과 이미지들을 나열해 익살스럽고 부조리한 의미를 생성시키는 그의 작품은 알파벳과 단어, 문장과 드로잉을 자유롭게 조합해 회화의 영역을 확장했다. 언어 체계가 가진 사회적 약속의 틀을 깨는 바스키아의 텍스트와 자유로운 드로잉은 사회적 편견과 억압에 대한 저항의 에너지로 점철되어 있다. 고상함과 저급함을 뒤섞고 시간의 흐름과 공간, 인과관계를 뒤엎는 퍼즐같은 작품은 20세기 시각문화의 새로운 지평을 열었다는 극찬을 받고 있다. ◆장 미셀 바스키아는 누구 세계에서 가장 비싼 작가 제프 쿤스, 데이비드 호크니를 뛰어넘는 그림값을 자랑한다. 2017년 뉴욕 소더비 경매에서 바스키아의 1982년작 회화 '무제'는 1억150만달러(약 1380억원)에 낙찰돼 미국 작가 최고가 기록을 세웠다. “나는 흑인 아티스트가 아니다. 단지 아티스트일 뿐이다.” 초기에는 그저 '낙서 같은 그림'으로 치부됐다. 뉴욕거리에 낙서나 하고 돌아다니는 '불량 청소년' 이미지였다. 1978년 고등학교를 자퇴하고 집을 나와 거리 생활을 하던 바스키아는 브루클린과 소호 거리 곳곳에 스프레이로 낙서를 시작한다. 친구 알 디아즈(Al Diaz)와 함께 ‘흔해 빠진 낡은 것(SAMe Old shit)’이라는 뜻을 담은 ‘SAMO© (세이모)’를 만들어 낙서 그림에 사인처럼 박았다. 간결한 문구에 담긴 비판적인 메시지를 담아낸 SAMO©는 당시 미술계에 신선한 충격을 주었고, 백인들로 뒤덮인 소호 지역의 갤러리들은 그들의 색다른 행보에 주목하기 시작했다. 바스키아는 1978년 말부터 친구 알 디아즈와 입장차이로 결별했으나, SAMO©라는 글자는 바스키아의 작품에서 그의 정체성을 대변하는 하나의 상징으로 자리 잡는다. ◆큐레이터의 안목 지원...1982년 '낙서 미술가'→세계적인 작가로 바스키아는 우편 엽서와 티셔츠에 그림을 그려 팔아서 생계를 유지했다. 당시 예술가들의 집결지였던 클럽 57(Club 57)과 머드 클럽(Mudd Club)에서 활동하면서 영화제작자이자 음악가, 큐레이터인 디에고 코르테즈(Diego Cortez)를 만나면서 인생이 달라진다. 바스키아의 재능을 한눈에 알아본 코르테즈는 그의 작품을 다량으로 구입하는 등 지원을 아끼지 않았다. 그의 소개로 바스키아는 정식 미술판에 발을 디뎠다. 1980년 제니 홀저(Jenny Holzer), 케니 샤프(Kenny Scharf), 키키 스미스(Kiki Smith) 등이 참여한 대규모 그룹전 '더 타임스 스퀘어 쇼 The Times Square Show'와 1981년 뉴욕 PS1의 '뉴욕/뉴 웨이브 New York/New Wave'에 참여하게 되었고, 본격적으로 그의 작품이 미술관에 등장하기 시작했다. 119명의 미술가가 1600점 이상을 출품한 '뉴욕/뉴 웨이브' 전시에서 주목받았다. 바스키아는 자동차, 비행기, 도식적인 해골, 해부학적 인체 형상과 알 수 없는 문자들이 공존하는 15점을 출품, 미술계에 눈도장을 찍었다. 이후 1982년 아니나 노세이 갤러리에서 미국 첫 개인전을 시작으로, 언더그라운드 '낙서 미술가'에서 미국 화단의 떠오르는 신인 아티스트로 급부상한다. 같은 해 래리 가고시안(Larry Gagosian)의 초대로 로스앤젤레스에서 열린 개인전에서 하루 만에 모든 작품이 팔려나갔고, 유럽에서 가장 권위 있는 전시 중 하나인 '카셀 도큐멘타 7'에 작품을 출품하면서 세계적인 명성을 쌓아 나갔다. ◇당대 스타 앤디워홀과 만남+죽음...27세 약물과다로 사망 바스키아는 '팝아트 황제' 앤디워홀을 만나면서 예술세계관을 확장한다. 1982년 10월 4일, 앤디 워홀의 운명적인 만남이 시작되었다. 바스키아는 워홀과 인사를 나눈 뒤 작업실로 돌아가 워홀의 초상화를 그리고 바로 다시 가져와 워홀에게 보여주었다. 고고한 예술영역에 얽매어 있지 않은 그림. 이때 바스키아의 천재성을 알아본 워홀은 바스키아와 함께 예술적 교감을 나누며 공동작업을 시작했다. 초창기 갤러리스트 브루노 비쇼프버거(Bruno Bischofberger)의 제안으로 프란체스코 클레멘테(Francesco Clemente)까지 세 명이 함께 시작한 협업 프로젝트는 1984년부터 워홀과 바스키아 둘만의 작업으로 진행됐다. 워홀이 먼저 실크스크린 기법으로 작품을 제작하면 바스키아가 마지막으로 거친 붓질로 글씨를 쓰고 지워 작품을 완성했다. 워홀에 의해 창조된 대중문화의 상품 이미지들은 바스키아에 의해 지워지고 채워지면서 새로운 의미로 재탄생했다. 바스키아는 실크스크린 화면에 유화, 아크릴 물감, 스프레이 등을 대담하게 사용하고 여러 단어들을 써 내려가면서 다양한 의미를 생성하는 작품을 완성했다. 이들은 1985년까지 2년간 150여 점이 넘는 작품들을 공동으로 제작하면서 많은 시간을 함께했다. 바스키아는 워홀을 의지하고 존경했으며 워홀에게 바스키아의 젊은 에너지는 새로운 예술적 동력이 되었다. 1987년 아버지와도 같았던 앤디 워홀이 수술 후유증으로 사망하자 바스키아는 큰 충격을 받는다. 바스키아는 삶에 대한 의지를 내려놓았다. 그와 관계를 맺었던 사람들과도 연락을 끊은 채 코트디부아르의 아비장(Abidjan)으로 이주할 결심을 한다. 그러나 바스키아는 이주를 엿새 앞둔 8월 12일 약물 과다로 유명을 달리한다. ‘거리의 이단아’에서 ‘세계 화단의 유망주’로 하루아침에 스타가 된 바스키아의 8년은 불꽃처럼 강렬했다. 그가 남긴 드로잉, 회화와 조각 작품, 3000여점은 그를 '반항하는 청춘의 아이콘'으로 재생하고 있다. ◇롯데뮤지엄 '장 미쉘 바스키아•거리, 영웅, 예술'전 8일 개막 '죽어도 죽지 않는 화가'가 된 바스키아는 불안한 코로나 시대, 희망의 메시지를 전한다. 낙서같은 그림은 아이같은 순수함과 해방감을 선사하며 몰입하게 한다. 서울 잠실 롯데뮤지엄에서 바스키아 대규모 회고전이 열렸다. '장 미쉘 바스키아 •거리, 영웅, 예술' 전을 주제로 회화, 조각, 드로잉, 세라믹, 사진 작품 등 150 여점을 선보인다. 뉴욕 거리에서 시작된 SAMO© (세이모)시기를 기록한 사진 작품을 중심으로 바스키아의 초창기 작품뿐만 아니라 앤디 워홀과 함께한 대형 작품도 전시된다. 두 명의 전설적인 천재 화가의 독창적인 작업 방식이 교차하는 협업 작품 5점이 공개됐다. 또한 앤디 워홀 일기에서 발췌한 바스키아와 함께 한 기록들을 통해서 두 거장이 나눈 친밀한 일상의 모습도 만나볼수 있다. 워홀의 기계적인 이미지에 바스키아의 저항적이고 즉흥적인 붓질을 결합해, 대중문화와 물질주의의 양면적 모습을 폭로하는 두 천재 화가의 역동적인 예술세계를 볼 수 있는 좋은 기회다. 아이가 그린듯 낙서같은 그림은 이젠 그림을 넘어 옷, 컵,악세서리, 문구류까지 점령해, '바스키아 예술은 일상'이 됐다. 이번 전시는 삶의 부조리한 가치에 의문을 던지며 삶과 예술의 경계에서 누구보다 긴 여운을 남긴 바스키아의 예술 세계를 직접 경험할 수 있는 최고의 전시다. 신종 코로나 바이러스 확산 방지를 위해 시간별 관람 인원을 제한하여 사전예약제로 진행한다. 오전 10시 30분부터 오후 7시까지 30분 간격으로 입장권을 구매할수 있다. 한편 바스키아 전시의 오디오 가이드는 네이버 오디오클립 앱을 통해 들을 수 있다. K-POP 대표 아티스트 EXO 찬열과 세훈이 보이스 앰버서더로 참여하여, 전시 내용을 더 친근하고 흥미롭게 들려준다. 전시는 2021년 2월7일까지. 2020/10/07

김기창 부인? '20세기 한국 대표 화가' 우향 박래현 77년전 시작된 이야기다. 남성 화가들이 약진하던 시대에 어깨를 나란히 했던 한 여성 화가가 있었다. 일제 강점기, 조선총독부가 개최한 미술 작품 공모전은 그야말로 한국화가들의 경쟁장이었다. 1922년 창설된 조선미술전람회는 일명 '선전'으로 내로라하는 화가들이 거쳐갔다. 허백련 김은호 이용우 김용진의 입상을 시작으로 이상범 잉응로 김기창 장우성등이 스타작가로 떠올랐다. 지금은 국내 한국화단의 거목들로 한국미술사의 한페이지를 장식하고 있는 화가들이다. 남성화가들의 승승장구속 1943년 열린 조선미술전람회는 깜짝 놀랐다. 총독상에 뽑힌 그림은 '단장', 여성화가였다. 이름은 박래현. 신여성 화가의 존재감은 한국화의 새 이름이었다. ◇1943년 '단장' 조선미전 총독상 ...신 여성화가 박래현 탄생 ______________________________ 경성여자고등사범학교에서 미술에 대한 꿈을 키웠다.1939년 일본 도쿄로 건너가 이듬해 도쿄여자미술전문학교 사범과 일본화에 입학했다. 1943년 조선미술전람회 총독상을 받은건 대학교 4학년때다. ‘거울을 보는 여성’을 그린 작품 제목은 단장(화장). 당시 박래현의 하숙집 딸을 모델로 그린 것으로 이런 그림은 일본 미인도에서 즐겨 다루어지던 화풍이었다. 배경이 없는 큰 화면에 검은 옷의 소녀와 붉은 화장대만 마주 보도록 대담한 구성이 눈길을 끈다. 화장대 위의 화장솔과 소녀의 손에서는 섬세한 세부묘사를 놓치지 않았다. 인물화에서 탄탄한 기초를 쌓은 박래현의 기량을 잘 보여준다는 평가를 받았다. 한국화 여성 화가로 스타로 부상한 그의 '세계관'은 사랑과 함께 확장됐다. 우향 박래현(1920~1976)은 한국화 1호 부부다. 총독상을 탄 '단장'은 박래현의 인생도 새롭게 '단장'시켰다. 조선미전 시상식을 위해 귀국했다가 한 남자를 만났다. 훗날 '바보산수'로 유명해진 김기창. 1938년 조선미전에서 수상한 그림 선배였다. 1947년 김기창과 결혼은 당대 화제였다. 일본미술학교를 졸업한 박래현과 청각장애에 초등학교만 졸업한 김기창의 연애사는 지금도 '미술계 전설'로 남아있다. ◇사랑 고백도 먼저...김기창과 '부부화가' 국내 최초 '부부전시' ___________________________________ 당시 선전의 추천작가였던 김기창에게 인사를 하러 간게 인연이었다. 종아리가 예쁜 박래현에 반했지만, 가진게 없어 남자는 주저했다. 훤칠한 김기창의 외모에 반한 건 박래현이었다. 청혼을 했다. "결혼 후에도 화가로 살 수 있게 해달라" 여자가 먼저 사랑고백을 하자 일곱살 많은 화가 김기창은 박래현에 푹 빠졌다. "각자의 예술세계를 인정하되 간섭은 하지말자" 그 약속과 함께 1946년 남산 민속박물관에서 결혼식을 올렸다. 1년후 국내 최초로 부부전시도 열었다. 금슬은 공고했다. 1948년부터 1971년까지 운보 김기창과 12회의 부부전을 열었고 중진 동양화가들과 백양회를 결성하여 동양화단을 이끌었다. '박래현' 하면 유명한 그림은 교과서에도 나와 익숙한 '노점'이다. 마치 피카소가 그린 것 같은 입체파 분위기가 나는 그림. ◇'노점' 1956년 대통령상 수상...한국화단 스타화가 등극 _________________________________ '노점'은 1956년 탄생했다. 그해 11월 국전에서 대통령상을 수상한 작품이다. 남편 김기창과 함께 한국전쟁 당시 친정인 군산에서 피난 생활을 하고 있을때를 그린 그림이다. 박래현은 피난생활을 하면서 입체주의에 대한 탐구를 통해 새로운 화풍으로 변화하기 시작하였는데, 이 작품은 그러한 노력의 결실을 보여준다. 시장을 오가며 마주친 평범한 풍경을 그렸지만 담채의 맑은 색상, 기하학적으로 분할된 색면, 예리한 필선에서 현대적인 감각이 물씬 풍긴다. 평소 생활 주변에서 아름다움을 찾고 색상의 배합에 예민한 감각을 집중했던 여성화가 박래현의 성향이 고스란히 담긴 작품이다. '노점'이 그려진 그 해 1956년은 박래현의 전성기였다. 막내딸을 출산하고 네 아이의 엄마가 되기도 했지만 붓을 놓지 않았다. 5월에 김기창과 나란히 부부전을 개최했을 뿐만 아니라 새로워진 화풍으로 평단의 호평을 받았고, 한 달 뒤엔 6월에 '이른 아침'으로 대한미협전 대통령상을 수상했다. ◇화가 부인→4명 아이의 엄마...화가로서 3중고 _______________________________ 촉망받는 신 여성 화가의 번민은 컸다. 화가에서 부인이 되고 엄마가 됐지만, 화가는 포기할수 없는 일이었다. 늘 가사에 쫓겨 작품 제작에 온전히 집중하지 못하며 고뇌는 깊어졌다. "내가 예술가라 할 수 있는가" 고민도 잠깐, 작업은 멈추지 않았다. 시간을 쪼개어 가며 작품을 제작했고, 부부전과 백양회 회원전을 중심으로 의욕적으로 작품을 발표했다. 하지만 세간의 시선은 달랐다. 사람들은 그를 ‘김기창의 아내’, ‘김기창과 같은 길을 가는 부인’이라 불렀다. 그렇다고 가사의 굴레와 김기창의 그늘에 갇히지 않았다. 생활 속에서 예술의 주제, 재료, 기법을 찾아내며 새로운 동양화를 탐구했다. 매년 부부전을 함께했고 많은 수의 합작도를 제작했다. 대부분 소품으로 그린 화조화인데, 전성기때인 1956년에 그린 4폭의 연폭 병풍 '봄C'(아라리오컬렉션)가 남아, 부부의 예술열정을 전한다. 167×248cm 크기 보기 드문 규모의 합작도다. 많은 수의 합작도가 전해지는 것은 ‘같은 길을 가는 예술가 부부’로서 사회의 이상적인 모델이 되었던 이들의 그림이 인기가 많았다는 사실을 알려준다. ◇1950~1960년대 전성기…미국 유학 판화가 변신 _______________________________ 1956년은 박래현과 김기창이 입체주의를 수용한 새로운 양식의 동양화를 선보이면서 화단에 큰 획을 그었던 해이다. 연이어 대통령상을 수상하며 화단의 중진으로 자리잡기 시작했다. 1956년 '이른 아침'으로 대한미협전 대통령상, '노점'으로 국전 대통령상을 수상했다. 1960년대 이후에는 해외를 여행하며 시야를 넓히고 추상화로 작품을 전향했다. "넓은 세상에서 마음껏 작업하고 싶다" 아이 낳고 키우며 그림을 그리며 입버릇처럼 나온 말. 1967년 상파울루 비엔날레에 참석하고 남편 운보와 중남미를 여행한 뒤였다. 남편은 아내의 그 허한 심정을 알아봤다. "그림을 계속 그려라" 1969년 혼자 미국 유학을 떠났다. 아이가 4명, 나이 49세였다. 뉴욕 프랫 그래픽센터와 봅 블랙번 판화연구소에서 들어가 한국화가 아닌, 새로운 조형 작업을 실험했다. 동판을 긁고 파서 색을 입혀 한국적 소재를 기하학적으로 풀어내는 추상판화는 한국 작가 최초 시도였다. 1974년까지 뉴욕에 머물며 판화와 타피스트리 작업에 몰두했다. 이후 다시 동양화 작업을 재개하고 미국의 판화전에 참석하는 등 왕성하게 활동을 펼쳤으나 갑작스럽게 간암이 발병하여 1976년 1월 타계했다. ◇태피스트리·동판화 작업 활동중 56세 간암으로 타계 _________________________________________________ 1920년 평안남도 진남포에서 부유한 대지주의 장녀로 태어나 일제 강점기 화가가 된 신 여성. 우향 박래현은 근대기 여성화가 첫 세대 작가로 한국미술사를 개척했다. 식민지 시기 일본화를 수학하였으나 해방 후에는 한국적이고 현대적인 회화를 모색했고, 동양화의 재료와 기법을 넘어 세계 화단과 교감할 수 있는 추상화, 태피스트리, 판화를 탐구한 미술가다. 특히 섬유예술이 막 싹트던 1960년대 박래현이 선보인 태피스트리와 다양한 동판화 기술에 대한 이해가 부족했던 1970년대에 선보인 판화 작업들은 한국 미술에서 선구적인 작업으로 꼽힌다. 이러한 성취에도 불구하고 대중들에게 박래현은 낯설다. 가부장제 시대는 ‘박래현’이라는 이름대신 ‘청각장애를 가진 천재화가 김기창의 아내’라는 수식이 더 크게 부각됐다. 화가이자 화가의 아내였던 박래현이 아닌 20세기 한국화단을 대표하는 여성작가로 부활한다. 하다만 작업을 두고 56세에 세상을 떠났지만 여전히 그림과 함께 살아나고 있다. ◇화가는 불멸의 삶… 탄생 100주년 기념전 '박래현, 삼중통역자' ____________________________________________ 2020년 올해는 박래현 탄생 100주년이다. 국립현대미술관이 100주년을 기념한 '박래현, 삼중통역자'전을 덕수궁 전관에서 29일 개막했다. '예술가 박래현'의 성과를 조명한다. 그의 선구적 예술작업이 마땅히 누렸어야할 비평적 관심을 환기시키는 전시다. 회화, 판화, 태피스트리 등 작품 총 138점이 35년 만에 대거 공개됐다. 전시명인 ‘삼중통역자’는 박래현 스스로 자신을 일컬어 표현한 명칭이다. 미국 여행에서 박래현은 여행가이드의 영어를 해석하여 다시 구화와 몸짓으로 김기창에게 설명해 주었는데, 여행에 동행한 수필가 모윤숙이 그 모습에 관심을 보이자 박래현은 자신이 ‘삼중통역자와 같다’고 표현했다. 박래현이 말한 ‘삼중통역자’는 영어, 한국어, 구화(구어)를 넘나드는 언어 통역을 의미하지만, 이번 전시에서의 ‘삼중통역’은 회화, 태피스트리, 판화라는 세 가지 매체를 넘나들며 연결지었던 그의 예술 세계로 의미를 확장했다. 이 전시는 근대기 신 여성 화가였던 박래현의 도전을 따라간다. 1부 한국화의 ‘현대’, 2부 여성과 ‘생활’, 3부 세계여행과 ‘추상’, 4부 판화와 ‘기술’로 선보인다. 미술사학자인 윤범모 국립현대미술관장은 “오랫동안 박래현의 작품을 비장(秘藏)했던 소장가들의 적극적 협력으로 평소 보기 어려웠던 작품들이 대거 전시장으로 ‘외출’했다”고 전했다. 화가는 '불멸의 삶'이다. 그것을 빛내는 건 소장가들. 이번 전시도 박래현 그림을 귀하게 간직하고 있는 소장가들의 '사회공헌' 덕분이다. 결국 미술품은 개인의 것이 아닌 공공미술재라는 것을 증명한다. 오는 10월8일 10월 오후 4시부터 약 40분간 전시를 기획한 김예진 학예연구사의 작품 설명이 미술관 유튜브에서 중계된다. 국립현대미술관 덕수궁관 박래현 전시는 미술관 누리집(mmca.go.kr)에서 사전 예약을 통해 무료 관람할 수 있다. 2021년 1월 3일까지. 2020/09/30

BTS RM도 사간 '달항아리' 도예가 권대섭의 '사발' "오늘도 조선사발 500년의 맥은 여전히 힘차게 흐르고 있다." 나선화 전 문화재청장은 미술사학자답게 도예작가 권대섭의 '사발'을 보고 이렇게 말했다. "사발의 그 내면은 조선의 선비 문화처럼 청렴하고 단순 소박한 듯 하면서도 화려하려 현대미와 상통하는 아름다움을 지니고 있다." "전통의 맥박이 힘차게 뛰면서 예술성으로 현대와 미래를 관통한다"고. 사발 그릇 하나 놓고 웬 호들갑이냐고 할수 있다. 요즘에야 흔한게 사발 그릇 아닌가. 한때 풍미했던 '플라스틱 그릇' 시대를 넘어 '도자 그릇'이 식탁을 점령한지도 오래다.도예 공방도 활성화돼 취미로 그릇을 만드는 2030세대도 많다.이들은 사발을 만들어 국그릇 밥그릇으로 쓰며 손맛과 흙맛의 오묘함을 느낀다고 했다. 이런측면에서 서울 이태원 박여숙 화랑에서 도예가 권대섭이 열고 있는 '사발'전은 어떤 차이, 무슨 의미가 있을까? 사발은 흔히 찻사발이라고 해서 다도용 그릇으로 통용되고 있다. 권대섭은 "사발은 차(茶)를 마실 때만 쓰는 것이 아니라 일상에서 두루 쓸 수 있다”면서 “옛 것을 많이 보고 내 나름 소화한 후 사발을 만들었다”고 밝혔다. ◇박여숙화랑 '사발'전 100점 전시...권대섭은 누구? _____________________________________________ 지난해 50cm 이상 크기의 대형 달항아리를 선보였던 도예가 권대섭(68)은 이번 전시에 사발 100점을 내놓았다. "일본에서 사발을 귀히 여기는 것과 달리 우리나라에서는 사발이 외면받고 있다"며 사발 전시의 의미를 달았다. 일본에서 도자 공부를 하며 우리 도자의 흔적을 찾아나선 이력이 있다. 홍익대 미대 서양화 출신으로 도예가로 변신한 건 인사동에서 우연히 발견한 조선 백자 달항아리 때문이었다. 그 소박한 아름다움에 마음을 뺏겨 일본으로까지 건너갔다. 한국의 도자기 역사와 백자 항아리의 형태에 대한 이해를 넓히기 위해 일본으로 간 것이 아이러니하다. 1979년 일본 오가사와라 도예몬에서 도자 수학을 하고, 규수 나베시마로 5년간 조선 도공의 흔적을 찾기 시작했다. 다시 한국으로 돌아와 조선시대 관요가 있던 경기도 광주에 가마를 짓고 도요지를 찾아다녔다. 그 옛날 도공들이 폐기했을 파편(사금파리)을 모으고 연구했고, 연구를 거듭했다. 이후 1995년 전시를 시작으로 현대 도예가로 길을 다졌다. 그의 항아리가 주목받은 건 2015년, 2018년 벨기에 안트워프의 악셀 베르보르트에서 백자 항아리 개인전을 열면서다. 해외에서 먼저 알아본 권대섭의 달항아리였다. .2018년 10월 런던 크리스티 경매에서 그의 달항아리는 52500 파운드에 낙찰(한화 약 9700만원)되며 '달항아리 작가'로 유명세를 탔다. 권대섭은 조선 백자 항아리를 현대적인 감각으로 구현해내고 있다는 평가를 받고 있다. 높이가 45cm를 넘는 강건한 항아리로 중국과 일본의 도자기 중에는 찾아볼 수 없는 특별한 한국의 도자 작품으로 꼽히고 있다. 박여숙화랑을 통해 도예가 권대섭의 본격 마케팅이 시작됐다. 2017년 한국민속박물관의 '봄놀이 – 산, 꽃, 밥', '공예 트렌드페어', '키아프' 등 국내의 여러 전시와 아트페어에서 '백자 시리즈'를 선보이고, 컬렉터들을 사로잡았다. '한국 미의 최고봉'으로 꼽히는 조선 '달항아리'의 몸값(2019년 서울옥션 31억 낙찰)이 치솟으면서 권대섭의 달항아리도 인기를 끌었다. 그의 달항아리는 미국 시카고 아트 인스티튜트, 멕시코의 멕시코 국립 박물관, 러시아 국립 박물관, 방글라데시 국립 박물관과 한국의 삼성 리움 미술관, 호림박물관, 민속박물관 등에 소장되어있다. ◇'내 마음을 움직이지 못하면 부수어 버린다'...권대섭의 항아리와 사발 ______________________________ 우리에게는 익숙한 옛날 물건인 항아리와 사발은 어떻게 예술품이 됐을까. 도예는 '불의 미학'이다. 권대섭은 이를 ‘자연의 도움 없이는 완성될 수 없는 과정’이라고 말한다. 전통 장작가마를 고집하는 작가는 조수도 없이 혼자 불의 미학과 상생하고 있다. 기대에 미치지 않는 항아리를 버리는데 주저함이 없다. "좋은 작품을 가마에서 꺼낼 때는 즐거움을 느끼고 말을 거는 나 자신을 발견한다"는 그는 "내 마음을 움직이지 못하면 부수어 버린다"고 했다. 보통 1년에 겨우 6점의 백자 항아리를 완성작으로 빚어 낸다고 한다. 박여숙 화랑 박여숙 대표는 "최근 달항아리의 아름다움에 매료된 이들이 늘어나면서 많은 작가들이 달항아리를 굽고, 사발을 만들지만 오늘날의 정신과 감각을 담아 구워내는 작가들은 많지 않다"며 "그렇기에 현대 도예가 권대섭의 존재는 각별하다"고 극찬했다. "그는 전통에 뿌리를 두고 있지만 오늘이라는 시간을 더해 우리시대의 정신이 담긴 달항아리와 사발을 만든다. 그래서 더욱 더 많은 이들의 눈길을 끄는 것"이라고 소개했다. ◇우리에겐 생활용품 '막사발'...일본 건너가 보물 대접 _________________________________________________________ 사실 사발은 우리나라에서 '막 사발'이라 해서 그렇게 귀한 대접을 받지 못했다. 평상시 매일 쓰던 그릇이니, 그냥 '사발 그릇'일 뿐이었다. 우리 사발 그릇들은 옛날엔 개밥그릇으로도 쓰여져, 70년대 고미술상들이 '개집부터 살펴봤다'는 이야기가 있다. 개밥 그릇이 알고 봤더니 '이조백자'였다는 거짓말같은 실화가 전해진다. 그렇다면 '사발'은 어떻게 예술품으로 대접받기 시작한 것일까. 사발에 예술성의 눈을 뜨게 한 건 일본인들이었다. 오늘날에도 여전히 다도를 즐기는 일본에서는 우리 '사발'을 '다완'이라 부르며 이를 매우 귀히 여긴다. 우리 사발은 본래 차를 마시기 위해 만든 것은 아니었다. 도요토미 히데요시(1536~98)의 차 스승이었던 센노 리큐(1522~91)는 조선의 소박하고 자연스러운 아름다움을 간직한 조선 사발에 매료되어 이를 기반으로 ‘와비차’(侘び 또는 寂び, 侘茶)를 완성시켰다고 한다. 전통적인 차문화에 독특한 불교의 선(禅)을 접목시켜 완성한 와비차가 그 뜻과 정신을 담아낼 그릇을 발견했는데 꾸밈없고 수수한 조선의 사발이었다. 당시 질 좋은 도자기를 만들어내는 기술이 부족했던 일본에서 특히 간결하고 소박한 오늘날의 미니멀리즘(Minimalism)에 가까운 ‘와비차’에는 중국의 화려하고 장식적인 다기는 어울리지 않았다. 도요토미 히데요시가 임진왜란 당시 조선을 침략해 조선 도공들을 납치해가고 조선 백자를 비롯해 사발이나 대접을 노획해 갔던 것도 이 소박하고 꾸밈없는 조선 도자의 치장하지 않은 아름다움 때문이었다. 일본이 임진왜란을 통해서 얻은 가장 큰 성과는 조선 사발의 발견이었다 해도 과언이 아니다. 임진왜란을 '도자기 전쟁'이라고 부르기도 할 정도다. 이렇게 우리의 생활용 물건인 사발이 일본으로 건너가 예술품으로 귀한 보물 대접을 받게 된 것이다. 이번 전시에 각양 각색으로 만든 사발 100점을 선보인 도예가 권대섭은 "사발을 일상에서 많이 사용해야 한다"는 바람을 담았다. "오늘날 우리 일상에서 사발을 많이 사용해 고유의 문화까지 되살려야 한다"는 그는 "사발을 많이 사용하다보면 사발이 왜 좋은지 느낄 수 있다"고 했다. 그가 손맛, 흙맛 불맛으로 빚어낸 크고 작은 사발은 그야말로 예술품의 경지에 올라 평범함보다 아찔함을 전한다. 전시에 나온 사발 가격은 100만~300만원에 판매한다. 한편 도예가 권대섭은 방탄소년단(BTS) 리더 RM 덕분에 더 인기를 구가하고 있다. RM은 지난해 10월 박여숙화랑에서 열린 개인전에 찾아와 달항아리 한점을 구매했다. RM은 당시 구매한 달항아리를 품에 안고 므훗한 미소를 지은 사진을 SNS에 올려 화제가 되기도 했다. (이 전시에 선보인 권대섭의 달항아리는 지난 7월 서울옥션 홍콩경매에 추정가 2000만~4700만원에 나와 한화 약 5000만원(HKD 320,000)에 낙찰된바 있다) 박여숙화랑은 이번에도 RM이 '다완(사발)'을 사갔다면서, "한국적인 미에 관심이 많다는 RM은 김환기, 윤형근과 더불어 권대섭 작가를 한국적 작가로 꼽았다”는 말도 잊지 않고 알렸다. 20대의 높은 안목일까, 유명세를 따르는 '돈질'일까. 2년만에 '미술시장 큰 손'으로 떠오른 RM의 관람 행보에 미술시장 희비가 엇갈리고 있어 우려하는 분위기도 있다. (물론 '글로벌 아이돌'이 전시장을 찾아 작품을 보고 구매까지 이어져 환호와 긍정적인 반응이 크다. 세계적인 'BTS 효과'를 기대하기 때문이다. 이전 빅뱅의 멤버들이 비싼 작가들의 작품을 소장하고 해외경매사와 큐레이팅하며 미술시장을 들썩였지만 연예인의 반짝 효과로 끝난 사례가 있었다. 미술컬렉터로서의 젊은 작가를 후원 발굴하거나 꾸준한 관심이 이어지지 않고 있어 아쉽다는 평가다 ) 권대섭 '사발'전시는 10월22일까지. 2020/09/25